El proceso creativo de A-Wibaa nace siempre del deseo de compartir pensamientos e ideas. Antes de acercarse al lienzo, la artista emprende un profundo viaje interior, esencial para definir su perspectiva y conectar con el público.

Después explora colores, materiales y estilos para expresar sus emociones sobre el lienzo y entablar un diálogo con la sociedad contemporánea.

A-Wibaa destaca por la diversidad de sus series y centra su atención en el pensamiento creativo más que en la ejecución. De manera poco habitual, vincula esta última exclusivamente con la necesidad de establecer un intercambio vivo con la comunidad, utilizando el menor número posible de elementos.

Pinta de forma intuitiva y emplea herramientas variadas, como pinceles, espátulas, esponjas e incluso las manos. Prefiere la pintura acrílica y al óleo, que mezcla con otros líquidos, y también utiliza esmaltes, aerosoles, rotuladores y carboncillo.

A-Wibaa (Roma, 1973) desarrolla una práctica pictórica intuitiva basada en la exploración de materiales, color y procesos gestuales, con el propósito de generar un diálogo con la sociedad contemporánea. Trabaja con herramientas y medios diversos, desde pinceles y espátulas hasta esmaltes, sprays y carbón. Kronos Kairos Aion es una obra de técnica mixta de 50 × 50 cm.

Aaron Sosa (Caracas, Venezuela, 1980) es fotógrafo, artista visual y docente, residente en Montevideo, Uruguay. Con más de 25 años de trayectoria, su obra ha sido exhibida en más de 120 galerías y espacios culturales de Europa y América, y forma parte de colecciones públicas y privadas en diversos países. Ha recibido numerosos premios y reconocimientos internacionales y su trabajo ha sido publicado en libros, revistas y medios especializados, entre ellos ReVista – Harvard Review of Latin America y Sueño de la Razón. Su práctica abarca fotografía documental, proyectos autobiográficos, experimentación visual y, en los últimos años, investigación artística con inteligencia artificial, apropiación e imagen sintográfica. Es fundador y docente de IMAGO, plataforma dedicada a la formación y creación fotográfica contemporánea.

El Purgatorio forma parte de la serie Analogías Sintográficas, un proyecto en el que utilizo la inteligencia artificial como herramienta para construir imágenes que entrecruzan referentes de la historia del arte con la memoria, la realidad social y el imaginario venezolano. La obra retoma conceptualmente la idea del purgatorio y la traslada a un escenario contemporáneo de arquitectura precaria, cuerpos y espacios fragmentados. La IA no funciona aquí como un mecanismo autónomo de creación, sino como parte de un proceso autoral de investigación, dirección, selección y reconfiguración de la imagen. La pieza propone una reflexión sobre la precariedad, la espera, la fe y la persistencia humana en territorios donde belleza y violencia conviven.

La obra aborda la precariedad, la espera, la fe y la persistencia humana mediante un proceso autoral de generación, selección y reconfiguración digital de la imagen.

"EL PUNKI, LA FLORA Y EL GALLO" es una escena híbrida donde identidad, naturaleza y disidencia se entrelazan en un mismo ente simbólico.
La figura humana (un punki homosexual) aparece como un ser en transformación: desafiante y vulnerable a la vez, atravesado por la estética del tatuaje y la rebeldía, y por una sensibilidad orgánica que lo conecta con la flora y la fauna.
La planta emerge no sólo como ornamento, sino como una extensión vital del personaje.
Tallos, hojas y raíces invaden la composición como metáfora del crecimiento identitario, de aquello que insiste en brotar incluso en contextos hostiles.
Frente a esta dimensión vegetal, el gallo introduce una energía distinta: símbolo de orgullo, deseo, combate y visibilidad. Animal asociado históricamente a la masculinidad y al desafío, su presencia se resignifica dentro de la escena para cuestionar las nociones tradicionales de género. El gallo observa, acompaña y encarna una prolongación emocional del protagonista, estableciendo un diálogo entre instinto y libertad.
La obra, en su totalidad, plantea una celebración de las identidades disidentes desde una mirada donde lo humano, lo animal y lo vegetal dejan de estar separados.
Lo LGTBI no aparece únicamente como temática, el humor también se vislumbra en el conjunto (la cresta del punki-la cresta del gallo).
También funciona, en conjunto, como lenguaje visual y político: una afirmación de la diferencia como espacio de belleza, resistencia y transformación.

La obra cuestiona nociones tradicionales de género y presenta lo humano, lo animal y lo vegetal como un continuo, utilizando además el humor como parte de su lenguaje visual y político.

Adriana Schlittler Kausch (Porto Alegre, Brasil, 1982) es artista, fotógrafa y escritora afincada en España. Su práctica se sitúa en la intersección entre fotografía, escritura y prácticas híbridas, y explora las relaciones entre cuerpo, espacio doméstico, identidad y experiencia cotidiana. Ha publicado varios libros de poesía y ha participado en exposiciones y proyectos en espacios como Casa de América, la Bienal de Fotografía de Olot, ArtJaén, FemArt, Espai Cultural Obert Les Aules y Casa Colón. En 2022 recibió el Premio de Fotografía de la Universidad de Murcia. Su trabajo combina fotografía y texto y distintas prácticas como el bordado y la cerámica desde una aproximación íntima y experimental.

La sangre pesa en mi cuerpo está realizada mediante bordado sobre seis pliegos de papel.

Ahmet Dogan trabaja en Ostwald, cerca de Estrasburgo, Francia. Su práctica reúne escultura, instalación, vídeo e intervenciones en el espacio público. Parte de objetos y símbolos reconocibles para alterar su material, su función o su contexto. Es diplomado de la École supérieure des Arts décoratifs de Strasbourg (DNSEP, 2005). Ha presentado su trabajo en La Kunsthalle de Mulhouse, Kunsthalle Palazzo de Liestal y los festivales Narracje en Gdansk y Vidéoformes en Clermont-Ferrand. En 2026 fue seleccionado para Works in Progress, FOUND OBJECT Art Space, Praga.

Les temps modernes (2024) es una escultura mural que reconstruye la bandera de Estados Unidos con fieltro, estrellas de madera y cremalleras. Las franjas rojas y blancas conservan la imagen reconocible del emblema, pero sus uniones pueden abrirse y separarse. Parto de un símbolo familiar y de un mecanismo cotidiano para hacer que una imagen aparentemente estable pueda descomponerse y recomponerse. La obra pertenece a una investigación en torno a las variaciones de la bandera estadounidense. El gesto de abrir una cremallera modifica la continuidad del signo y deja visible su construcción. Presentación en interior, en posición vertical. Fijación compatible con el soporte de la obra, a acordar con el espacio. No necesita alimentación eléctrica ni sonido. Las cremalleras forman parte de la pieza; no se propone su manipulación por el público. Se adjuntan una vista de conjunto y un detalle de la obra.

El mecanismo permite abrir y separar sus franjas, haciendo visible la construcción del símbolo y cuestionando la aparente estabilidad de la imagen a través de ideas como territorio, fragmentación y recomposición.

Aitor Rodríguez (Santa Cruz de Tenerife, 2005) ha participado en exposiciones colectivas tales como: Entre la carne y el código. 2025. Facultad de Bellas Artes. Universidad de La Laguna. MERKARTE 2025-26. Centro de arte La Recova. Santa Cruz de Tenerife. Esto ya estaba aquí (nada permanece del todo). 2026. Facultad de Bellas Artes. Universidad de La Laguna. Protocolos de Espera. 2026. Facultad de Bellas Artes. Universidad de La Laguna. VOLUMEN. 2026. Sala de Arte Joven. Casa de Juventud. Puerto de la Cruz. Exposición de seleccionados Premio Manolo Millares. 2026. Espacio Cultural Cajacanarias. Santa Cruz de Tenerife.

La pieza relata la fisicidad de la separación del "yo". Entendiendo este, como una materia uniforme que se desglosa y desentiende de sí misma tras el pasar del tiempo. Puesto que, el juego estructural de la obra a través del espejo, permite conocer al antiguo tu. Uno que solo pudiste palpar a través de las reminicescias entendidas por el medio digital, aquellas que apelan a fotografías familiares encapsuladas en CD,s viejos. Es una muestra del puente por el que conocemos la fragilidad del recuerdo, aquel que se evapora y no podemos conservar; cotidiano y cruel. Viéndose esta reflexión, mediante la concavidad y delicadeza de la "tacita" de café con estampado tradicional. Comprendiendo una dimensión añeja y olvidada que atraviesa la nueva materialidad.

No hemos cambiado tanto plantea una reflexión sobre la separación y transformación del yo a través del tiempo. La pieza utiliza el espejo y referencias a antiguas fotografías familiares conservadas en soportes digitales para abordar la fragilidad del recuerdo y el vínculo entre una materialidad cotidiana, asociada al pasado, y las formas contemporáneas de preservar la memoria.

Desde el año 2011 me dedico a la creación y organización de eventos culturales y artísticos, así como al comisariado de arte urbano. Aunque he trabajado y experimentado con varias disciplinas artísticas, actualmente únicamente trabajo con la fotografía, técnica que descubrí hace unos años de la mano de Teresa Rodríguez. También he realizado formaciones y talleres con Txema Salvans, David Jimenez, Concha de la Rosa, Alex Llovet, David Salcedo, Ricardo Cases, Estela de Castro, Rober Astorgano, Juanan Requena, Javier Vallhonrat o Graciela Iturbide, entre otros. En los últimos años he expuesto mis creaciones en diferentes exposiciones colectivas entre La Rioja, Navarra, Álava, Cantabria, Guipúzcoa, Madrid, Salamanca, Barcelona, Ciudad Real, Cáceres, Badajoz, Ciudad Real, Málaga, Sevilla, Granada, Gran Canaria, Argentina, Perú, Grecia, Chipre o Francia, y otras exposiciones individuales en La Rioja.

Habitar es mucho más que ocupar un espacio: es construir memoria, identidad y pertenencia. “Lugares donde habitar I”, forma parte de una serie fotográfica, que propone un recorrido visual por los distintos lugares que habitamos, mostrando cómo el paso del tiempo, la historia y las condiciones sociales se reflejan en ellos. Fotografías digitales, que expongo junto a papeles decorativos que recupero de casas antiguas, para dar una segunda vida. Estableciendo un diálogo entre pasado y presente, entre lo tradicional y lo contemporáneo, invitándonos a reflexionar sobre cómo vivimos, dónde vivimos y qué significan realmente los espacios que ocupamos.

CORDÓN CORDÓN (Logroño, 1987) trabaja actualmente con la fotografía y cuenta con experiencia en creación, organización y comisariado de proyectos culturales y de arte urbano. La obra combina fotografías digitales con papeles decorativos recuperados de viviendas antiguas, estableciendo un diálogo entre pasado y presente y proponiendo una lectura de los espacios habitados como depósitos de historia y experiencia social.

Alessia Iannone es una escultora italiana cuya investigación artística parte del estudio de los materiales y las tradiciones de la escultura clásica, en particular del mármol, y ha evolucionado hacia la exploración de lenguajes y técnicas contemporáneos, como el modelado digital y la impresión 3D. Su práctica integra tecnologías digitales con la sensibilidad plástica de la escultura clásica.

Stellar Collapse representa un busto minimalista cuyo punto focal es una fisura luminosa a la altura de los ojos, en contraste con la superficie azul oscura que cubre la mayor parte de la figura. El título alude a la etapa final de la evolución de una estrella, un proceso en el que el final también crea las condiciones para que surja algo nuevo.

El título alude al colapso estelar como un final que, al mismo tiempo, crea las condiciones para la aparición de algo nuevo.

Alfons Forrellad es artista multidisciplinar. Su práctica explora la percepción, la memoria, el territorio y la transformación de la imagen mediante procesos de intervención, fragmentación y reinterpretación. Ha desarrollado proyectos vinculados a la cartografía, el objeto, la edición y el audiovisual. Su obra ha sido presentada en exposiciones y convocatorias nacionales e internacionales y forma parte de diversas colecciones públicas y privadas (entre ellas: Colección de Arte del Banco Sabadell, Colección Giles de Sydney Australia, Bibliotheque Nationale de France en París, Museo de Arte de Cerdanyola, Museo de Sitges entre otros…)

Cartografía Interrumpida II parte de un mapa geológico de España y Portugal publicado en 1955, intervenido mediante una trama de perforaciones. Al eliminar físicamente fragmentos del territorio representado, la cartografía pierde progresivamente su función de orientación y delimitación. El vacío pasa a formar parte de la imagen y permite que el espacio situado detrás de la obra atraviese el mapa. La pieza plantea una reflexión sobre territorio, frontera, memoria y ausencia, cuestionando la aparente estabilidad de las representaciones cartográficas.

Los vacíos atraviesan la representación territorial y cuestionan su función de orientación y delimitación, abordando conceptos como frontera, memoria y ausencia.

Andris es un creador que trabaja en la intersección entre artesanía, materiales naturales y experimentación material. Es autodidacta y su práctica se centra en el cáñamo y el lino, cuyas texturas, estructuras y posibilidades explora mediante papel hecho a mano, objetos de fibra y técnicas de construcción natural. Su trabajo está guiado por la fascinación por la transformación de las materias primas a través de procesos manuales tradicionales. Cada pieza refleja su aprecio por la irregularidad, la tactilidad y las cualidades expresivas de las fibras vegetales e invita a reconsiderar la relación entre materia, proceso y paisaje. Trabaja casi exclusivamente con recursos renovables y crea objetos que celebran la belleza de la imperfección y el diálogo sereno entre naturaleza y artesanía.

Su práctica investiga las cualidades táctiles y estructurales de las fibras vegetales mediante procesos manuales. Veidols I es una máscara escultórica elaborada con papel de cáñamo, fibras y pigmentos naturales. Inspirada en tradiciones rituales y artesanales, la pieza explora la transformación, la identidad y la relación entre materia natural y memoria cultural.

Nacida en Armenia y residente en Alemania, Arpi Ayvazyan es una artista multidisciplinar. Su trabajo explora la mente humana, las decisiones que tomamos y el mundo caótico de nuestros recuerdos.

El «hilo rojo» invisible de Arpi conecta objetos aparentemente insignificantes de la vida con complejas redes de pensamiento. Su obra explora la mente humana y sus manifestaciones simbólicas a través de las decisiones, los objetos cotidianos, la sencillez de los momentos y la fugacidad de nuestros recuerdos.

Do you remember me? parte de la demencia de su abuela y del temor a dejar de ser reconocida por ella. La artista fija, cose y ata una fotografía mediante hilo, cuentas y bordado sashiko como gesto material de conservación: una tentativa de retener la imagen y sus detalles frente a la pérdida progresiva del recuerdo.

Escultora autodidacta y artista multidisciplinar polaca que trabaja con cerámica de gres, madera, pintura y técnicas mixtas. Comenzó a esculpir en 2025 y desarrolla un lenguaje figurativo que combina superficies ásperas, fracturas y colores simbólicos con temas como la resiliencia, la memoria y la transformación interior. Sus obras se han mostrado internacionalmente, incluidas exposiciones colectivas durante Miami Art Week y en Dubái y Granada (isla caribeña), y forman parte de colecciones privadas, entre ellas una en Massachusetts, Estados Unidos.

Silent Warrior representa una figura marcada por la experiencia que permanece en pie. Su superficie erosionada y fragmentada alude a la lucha, la vulnerabilidad, la memoria y la resistencia. El contraste entre el cuerpo cerámico y su soporte construido refuerza la tensión entre fragilidad y persistencia, desplazando la atención de la victoria hacia aquello que permanece después del conflicto.

CV completo aquí: https://www.carlosjnavarro.com/about/ Carlos J. Navarro (Granada, 1984) es un artista conceptual afincado en Madrid. Su trabajo ha sido expuesto en instituciones y espacios internacionales como Tate Modern (Reino Unido), The Aram Gallery (Londres), Espacio Cavallero (Buenos Aires) o el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, entre otros. En 2016 cofundó Random Happiness, un colectivo internacional de creadores, agentes de cambio, comprometidos con la felicidad como herramienta revolucionaria a través de la práctica artística y la educación.

Se habla de la depredación del turismo masivo en términos de vivienda, de turistificación, y por supuesto, del impacto social que acarrea. Pero pocas veces se pone el foco en una identidad cautiva que resiste progresivamente subordinada a modelos de explotación económica del espacio. Una bandera atrapada y parcialmente comprimida, más que una identidad, una superficie retenida, gestionada y condicionada. Vendamos al cambio lo que nos quede de autenticidad. Ciudades icono como Málaga o Barcelona convertidas en souvenirs habitados. O litorales enteros en los que, como ya había sol, playa y turismo expansivo, qué importan un par de cajas para llaves más. Y ahí ya, si quedaba algo de identidad, escribamos sobre ella la contraseña de la wi-fi. Del latifundista al gran tenedor. Alquiler de corta duración vs. cultura de larga duración. Esperemos. ¿Cómo se abría esto? ¿Recuerdas el número? Estuve en Andalucía y me acordé de ella.

1234 aborda los efectos del turismo masivo sobre la vivienda y, especialmente, sobre la identidad de los lugares.

Daniel Entonado Rea (Cáceres, 1980) es artista plástico e ilustrador. Su trayectoria se ha desarrollado en paralelo entre una amplia experiencia profesional en el sector del diseño gráfico textil, la ilustración y el desarrollo de imagen para empresas y marcas de moda, y su práctica artística.

Formado en ilustración, diseño gráfico y diferentes disciplinas relacionadas con la imagen y las artes visuales, ha desarrollado una práctica multidisciplinar en la que conviven el dibujo, la pintura, el collage y la autoedición. Actualmente amplía esta investigación en la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Mérida, donde cursa el Ciclo Formativo de Grado Superior de Cerámica Artística.

Entre sus proyectos expositivos destaca The Pale Archive, exposición individual presentada en Miscelánea, Barcelona, en 2018. Su trayectoria incluye también la participación en diferentes exposiciones y proyectos vinculados al collage, la ilustración y las artes gráficas.

En paralelo, ha desarrollado Doula Editions, sello independiente de autoedición de fanzines, libros de artista y ediciones de tirada corta, con participación en ferias y encuentros como Libros Mutantes / Madrid Art Book Fair, Gutter Press en Barcelona y Grafixx Festival en Amberes.

Su trabajo ha sido publicado y reseñado en diferentes medios y plataformas internacionales especializados en arte, diseño e ilustración, entre ellos Sight Unseen, BOOOOOOOM! y Architectural Digest España.

A lo largo de su trayectoria ha mantenido una investigación artística independiente y continuada en torno al dibujo, la forma, el ritmo y la repetición, así como a las relaciones entre estructuras geométricas y orgánicas. La incorporación de la cerámica amplía actualmente esta investigación hacia la materia, el volumen y el espacio.

Esrin es una pintora residente en Lisboa que trabaja principalmente con acrílico sobre papel y lienzo. Su práctica parte de la sinestesia, una condición que hace que sus sentidos se mezclen y que los sonidos, los olores e incluso las personas se le presenten asociados a determinados colores. Su obra vuelve una y otra vez sobre aquello a lo que la gente preferiría no acercarse. Para pintar los pies de alguien, tiene que mirarlos de cerca: una parte del cuerpo que la mayoría mantiene oculta, incluso para sí misma. Para pintar el olor de alguien, tiene que pedir acercarse lo suficiente para percibirlo, una petición que hace que muchas personas se retraigan al tomar conciencia de todo lo que no se ducharon esa mañana. Para pintar un desamor, tiene que permanecer junto al rechazo el tiempo suficiente para darle un color, en vez de apartar la mirada. Lo que conecta estos temas es la proximidad: una cercanía física que roza la incomodidad y una cercanía emocional que roza la exposición. Sus pinturas invitan al espectador a permanecer en esa proximidad un poco más de lo que resulta cómodo, porque ahí suele comenzar una imagen más honesta. Su serie actual, «Blue Men», examina un patrón recurrente de su vida sentimental a través de la sinestesia que asocia personas y colores. La serie se expondrá en Lisboa en otoño de 2026.

Esrin Uesuemues (Bonn, 1990) es una pintora cuya práctica parte de la sinestesia, condición por la que sonidos, olores y personas se asocian para ella a colores. Su trabajo explora la proximidad física y emocional y aquello que suele generar incomodidad o exposición. Blue Man forma parte de una serie sobre un patrón recurrente en sus relaciones afectivas: los hombres que percibe como azules. La pieza funciona simultáneamente como retrato y confesión, y utiliza esa asociación cromática para abordar atracción, reconocimiento, rechazo y repetición emocional.

EXPOSICIONES “Cámbium” Exposición individual. Jaén, España. 2026 “Wystawa końcoworoczna” Exposición colectiva. Varsovia, Polonia. 2026 “200 años de la fotografía en libros escultóricos” Exposición colectiva. Granada, España. 2026 “Balcón&Arte” Exposición colectiva. Expuesto en dieciocho ciudades entre Jaén y Cádiz, España. 2025 “Detrás de cada bosque” Exposición colectiva. Cámara de Comercio, Granada, España. 2025 PREMIOS "XLIX Concurso Nacional de Pintura Casimiro Sainz" Seleccionado, 2026 XXXII Concurso Ciudad Medina de Pomar”Seleccionado, 2026 LXXXIV Concurso de pintura PREMI CENTELLES”Seleccionado, 2026

En la historia de la gráfica los materiales tóxicos y dañinos para el medio ambiente siempre han estado presentes. Esta obra representa el daño que sufre el ecosistema mientras en ella se usan materiales ecológicos como el lapiz litográfico, el café, o la silicona que se usa para estamparlo. Pertenece a una serie donde se exploran todas las posibilidades y texturas que ofrecen materiales naturales en la litografía contemporanea.

En esta litografía investiga la relación histórica entre gráfica y materiales contaminantes.

Rabia nace de una crítica al sesgo de género en la medicina y a la normalización del dolor femenino. La obra aborda la endometriosis no como un padecimiento privado, sino como una cuestión política y de derechos, y utiliza una composición deliberadamente cruda para confrontar al espectador con la negligencia médica y con un modelo de investigación que históricamente ha tomado el cuerpo masculino como estándar universal.

Nací en Madrid en 1978, licenciándome como arquitecto en 2014. Posteriormente, también en Madrid, acabé mis estudios en Bellas Artes obteniendo el Premio Extraordinario de licenciatura. Ya desde antes de iniciar mi segunda carrera me estaba dedicando profesionalmente a la pintura, llegando a realizar distintas exposiciones individuales como la de 2008 en el Colegio de España en París o en la sala “Torre Nueva” de Ibercaja en Zaragoza un año antes –ahora mismo me encuentro preparando una para el Museo de la Universidad de Murcia-. Además, a lo largo de mi carrera he obtenido diversos premios en concursos, como el primer premio en la “XIII Bienal de artes plásticas Ciudad de Albacete” (2018) o más recientemente también el primer premio en el “50 Concurso internacional de pintura Villa de Fuente Álamo” (2022) y el premio adquisición del Banco Santander en el “XX Premio certamen cultural Virgen de las Viñas” (2021). Aparte, he obtenido distintas becas y residencias como la de colaboración en el Departamento de Ideación Grafica de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (2002), la de paisaje en el Palacio de Quintanar de Segovia, promovida por la Real Academia de Historia y Arte de San Quirce (2014) o la de la Fundación Rodríguez Acosta en Granada (2013). Mi obra además está presente en diversas colecciones, como la del Colegio de España en París, la Obra Social y Cultural de Ibercaja y la de Castilla La Mancha, los Ayuntamientos de Albacete, Madrid y Badajoz, la Real Academia de Bellas Artes de Granada, la Diputación de Burgos, la Fundación Laura Otero o el Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena y el de Badalona, entre otras.

Los asuntos más interesantes siempre parten de sueños, o de visiones que no han sido categorizadas a priori –a la gente le encanta poner apellidos a todo lo que ven-.
Y es terreno de la pintura el asomarse a esos lugares y tratar de darles una explicación, aunque posiblemente no sea la más acertada; aquel tipo entró en el estudio y se quedó mirando todo con silenciosa y escrupulosa calma, y cuando terminó, me habló de su infancia y de su casa, añadiendo detalles minuciosos a su discurso para terminar comentando, mientras señalaba a mi obra, que había visto algo parecido en un desfile de Mcqueen (sic)…bla bla bla…pero el día resultaba demasiado alegre y salimos a emborracharnos (evitamos siempre –sin triunfo- pensar en asuntos que nos hacen daño como eludimos discurrir por lugares en los que alguna vez alguien nos hizo sentir solos)…y es únicamente a la vuelta al hogar cuando somos capaces de crear nuestra realidad –identitaria, única, festiva-.
el exterior siempre (nos) ha resultado un territorio violento.
el exterior siempre (me) ha resultado un territorio violento.

Guillermo Masedo (Madrid, 1978) es artista y arquitecto, formado también en Bellas Artes, con trayectoria expositiva y diversos premios y residencias artísticas. Su pintura parte de imágenes, sueños y visiones que rehúyen una interpretación cerrada. Estudio pensando en Peter Witkin y Alexander McQueen surge de una conversación en el estudio en la que su obra fue asociada a un desfile de McQueen.

Formación: 2021-2025 Grado en Bellas Artes Facultad de Bellas Artes, Universidad de Sevilla. 2026 Máster en Arte: Idea y producción Facultad de Bellas Artes, Universidad de Sevilla. Exposiciones: 2025. Exposición colectiva. "Outsiders Vol.2" Galería Zunino, Sevilla. 2026. Exposición colectiva. "DIGITAL/MATERIAL: de la pantalla a la pintura" Galeria Weber-Lutgen, Sevilla. 2026."Tipografia y Artes visuales". Espacio Laraña. Universidad de Sevilla.

¿Es posible componer y descomponer un recuerdo? Trabajar desde la memoria no tiene por qué ir siempre relacionado con imágenes en blanco y negro. Existen diversos recursos que nos ayudan a recordar y a reinterpretar experiencias. La memoria puede ser entendida como una evocación de lo que sucedió, pero con una visión actualizada a un tiempo presente. Normalmente los recuerdos no los solemos asociar a imágenes fijas, sino a algo que puede estar en constante cambio. Puede aparecer borroso, fragmentado, incompleto o sujeto a reconstrucciones constantes. Esta pieza surge como una forma de archivar aquellos recuerdos a partir de distintas fotografías encontradas. De este modo, la obra funciona como una especie de álbum o caja de los recuerdos a la que poder acudir para no olvidar. El rompecabezas, actúa como una metáfora de la memoria individual y colectiva, todo lo pasado forma parte activa de la imagen, simbolizando también el proceso de construcción y reconstrucción del testimonio ajeno.

Postales de lugares donde nunca estuve utiliza fotografías encontradas impresas sobre puzles para plantear la memoria como algo fragmentario, cambiante y sometido a reconstrucciones. La pieza funciona como archivo o caja de recuerdos y emplea el rompecabezas como metáfora de la memoria individual y colectiva, donde el pasado permanece activo en la configuración de la imagen presente.

Iñigo Lanz (Alicante, 1977) desarrolla su obra mediante ilustración digital y construcciones geométricas vinculadas a la arquitectura, especialmente al racionalismo de la costa alicantina de las décadas de 1960 y 1970. Vistamar parte del estudio de la celosía del edificio homónimo de la playa de la Albufereta, una torre representativa del llamado Racionalismo Levantino. La pieza reconstruye visualmente el diseño de su fachada a partir de la superposición de filas de circunferencias y forma parte de su proyecto Raciometrías.

el unico fotografo acreditado de robe en la gira de 2018 de robe.

Un autoretrato "psicologico" sobre la rumiación, el exceso de pensamiento y como puedes apagar la luz que te llega de fuera solo con que te atraviese en un mal momento y no seas capaz de salir de tu cabeza

La obra aborda cómo una situación adversa puede bloquear la percepción de lo que sucede fuera y encerrar a la persona en su propio pensamiento, hasta dificultar la salida de ese estado mental.

Joyce Iris es una artista brasileña cuya práctica artística transita entre el bordado sobre papel, la fotografía y los procesos participativos. Su trabajo explora temas como la memoria, la identidad, la vulnerabilidad, la resiliencia y la transformación, utilizando el bordado como lenguaje artístico y como forma de narrar y resignificar experiencias humanas. Es creadora de Bendito Nudo, un proyecto artístico que desarrolla a través de obras, talleres, encuentros y exposiciones, acercando el arte, la participación y la narrativa personal. Actualmente vive en España, donde continúa desarrollando su investigación y producción artística.

La exposición Bendito Nudo está compuesta por 12 fotografías, de 20 × 30 cm cada una. Las obras se presentan en una estructura de hierro ajustable, que permite adaptar la disposición de las piezas a diferentes espacios. Para esta exposición, se prevé una ocupación aproximada de 2,5 × 2,0 metros, aunque la estructura puede ajustarse según las características del lugar.

Bendito Nudo reúne doce retratos en blanco y negro intervenidos a mano por mujeres de distintas nacionalidades y contextos. Los hilos introducen color y funcionan como metáfora de belleza y esperanza, mientras la exposición permite observar también el reverso de las piezas, haciendo visibles los nudos, cruces e imperfecciones que sostienen cada imagen.

Juan Sánchez Villores (Sevilla, 1971) se define como pintor figurativo con influencias del cómic, el Pop Art y el surrealismo, y cuenta con una trayectoria expositiva iniciada en la década de 1990. Esperanza divina enfermera – N.ª S.ª del IKEA surgió tras los meses más duros de la pandemia: al regresar a su estudio encontró un lienzo desechado y decidió darle una segunda vida. La pieza plantea un homenaje a Murillo y, especialmente, a las personas y servicios médicos que ayudaron a combatir el virus.

LATRINART es el proyecto artístico de Henrique Leite, artista visual brasileño-portugués afincado en Madrid. Su práctica cruza escultura, ilustración y arte gráfico desde una mirada irreverente, irónica y ligada a la cultura underground. En su producción reciente destacan los MINI-TOILETS, pequeñas esculturas de resina y cerámica en forma de váter, utilizadas como objeto artístico y soporte para explorar humor, provocación, cultura popular e identidad visual. Ha participado en exposiciones colectivas y proyectos culturales en España, desarrollando una obra que se mueve entre lo cotidiano, lo absurdo y lo incómodo.

Después de pasar por muchos baños dejando alguna marca por ahí, esta obra busca reunirlos todos en uno. Un baño convertido en territorio de expresión, donde pegatinas, tags, carteles y mensajes acumulan rastros de lugares y momentos de mi propia historia, desde Vila Alpina, el barrio de São Paulo donde nací, hasta Madrid, donde realicé la obra en 2023. La fregona en un rincón recuerda que, aunque parezca abandonado, este baño sigue vivo: alguien entra para usarlo, pintarlo o limpiarlo.

Técnica mixta: madera, MDF, porcelana fría, pintura acrílica, pintura en spray, rotuladores, papel, cordel y alambre.

Pegatinas, tags, carteles y mensajes transforman el baño en territorio de expresión; una fregona recuerda que, pese a su apariencia abandonada, continúa siendo un espacio vivo, usado, intervenido y limpiado.

Léa Thieux es una artista de nacionalidad franco-española graduada en la facultad de Bellas Artes de Madrid. En su proceso, compone una estética orgánica con la intención de acercarnos a lo vivo mediante la pintura y herramientas digitales. Su proyecto artístico, «Formas de Vida», fue motivo de sus dos primeras exposiciones personales entre 2023 y 2024, y de su primera exposición en Cáceres, en la sala Belleartes en el año 2025. En octubre de 2024 expone su segundo proyecto «Ciclos y Dimensiones» en Espacio Lu, Madrid. Este proyecto se expuso posteriormente en la Alianza Francesa de Madrid (enero de 2025) y en Coklub (junio de 2025).
En otoño de 2025 quedó finalista de la 11ª edició Art Emergent Sabadell participando en la exposición colectiva de los finalistas del premio.

Ocaso introduce patrones obtenidos de fotografías de elementos vegetales en un entorno digital, generando un diálogo entre lo vivo y su reconstrucción tecnológica. Los tonos dorados y negros, la memoria transformada por archivos y filtros digitales y la ausencia del bosque articulan una reflexión sobre solastalgia, pérdida ambiental y esperanza ante un futuro marcado por el cambio climático.

Creadora artística residente en Madrid. Mi trabajo de se caracteriza por un enfoque multidisciplinario e hibrido, donde técnicas y medios se entrelazan para construir una narrativa visual, un imaginario que explora conexiones y emociones inspiradas, vividas con/en todas las Naturalezas. FORMACIÓN: Licenciatura en Bellas Artes. Facultad de Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid. 1995 CURSO SUPERIOR DE PINTURA PAISAJE. Atmósfera interpuesta en la pintura de paisaje. Fundación Santa María de Albarracín. Albarracín (Teruel). 2026. SELECCIONADA VIII EDICIÓN ESCUELA DE PAISAJE “JOSÉ CARRALERO”. Curso Superior de Pintura de Paisaje. Carracedo (León). 2025 EXPOSICIONES: ATMÓSFERA INTERPUESTA EN LA PINTURA. Fundación Santa María de Albarracín. COLECTIVA. Albarracín (Teruel). 2026 POR LOS BOSQUES. (CO)Laboratorio. U. C. M. Facultad Bellas Artes. COLECTIVA. Madrid. 2026 VERDE DENSIDAD. Florecimientos y germinaciones. INDIVIDUAL. CasaBonita. Madrid. 2025 PREMIOS: MENCIÓN DE HONOR CUADERNO DE CAMPO. VIII EDICIÓN ESCUELA DE PAISAJE “JOSÉ CARRALERO”. Curso Superior de Pintura de Paisaje. Carracedelo (León). 2025. SELECCIONADA PREMIOS OBRA FINAL VIII EDICIÓN ESCUELA DE PAISAJE “JOSÉ CARRALERO”.Curso Superior de Pintura de Paisaje. Carracedelo (León). 2025 SELECCIONADA PREMIOS ARGANZUELA 2025 XXXIX EDICIÓN PINTURA. Distrito de Arganzuela – COMUNIDAD DE MADRID. 2025 RESIDENCIA: RESIDENCIA DE CREACIÓN ARTÍSTICA E INVESTIGACIÓN. FUNDACIÓN VALPARAÍSO – Paul y Beatrice Beckett. Mojácar (Almería). 2019 PUBLICACIONES: ARTEA FANZINE_”La inspiración en el collage” _volumen II Fanzine contemporáneo que publica el trabajo de artistas multidisplicinares internacionales.

Su trayectoria reciente incluye proyectos de paisaje, exposiciones colectivas e individuales y residencias de creación. En el mismo Cielo Verde, n. º 1 reúne óleo, collage y bordado, con elementos originales realizados por la propia artista.

Lucía Vallés, Alicante 1999. Desarrolla una práctica artística centrada en lo cotidiano, la cocina y los vínculos afectivos que se construyen alrededor del acto de comer. A través del textil, la pintura y el archivo, investiga cómo los gestos domésticos y repetitivos contienen formas de memoria, cuidado e identidad cultural. Su trabajo parte de elementos cercanos y aparentemente ordinarios (los alimentos, las recetas, la sobremesa o los ritmos del hogar) para construir piezas donde lo íntimo adquiere una dimensión colectiva y simbólica.

Piruleta está realizada con lana sobre tela.

Luis I. Ortega es un artista cubano residente en Miami cuyo trabajo explora la transformación de la iconografía religiosa y cultural mediante la síntesis geométrica. Su serie «Geometrías de la Fe» reconstruye imágenes devocionales reconocibles mediante un vocabulario visual deliberadamente reducido: círculos, cuadrados, rectángulos y triángulos, combinados con color plano y líneas estructurales limpias. Su práctica investiga hasta qué punto puede reducirse una imagen arraigada en la memoria colectiva sin que pierda su identidad y su fuerza simbólica. Sus obras se producen como impresiones giclée de edición limitada sobre papel artístico. En 2026, obras de la serie fueron seleccionadas para la exposición «La Mano Hispana» en el Milander Center for Arts & Entertainment, en Hialeah, Florida.

Virgen de la Caridad del Cobre pertenece a la serie Geometrías de la Fe y reconstruye la imagen devocional con círculos, cuadrados, rectángulos y triángulos, colores planos y líneas estructurales.

2026 Hybrid Art Fair – Feria Internacional de Arte, Curaduría de Taller Balam • Madrid Mini Print Cadaqués – Exposición colectiva, Taller Galería Fort • Cadaqués Grabados – Exposición colectiva, Galería de Taller Balam • Barcelona 2025 Inkthology- Exposición Individual, Art Gallery at Encanto Tattoo, Tampa – Florida • USA FIG – Feria Internacional de Grabado y Arte sobre papel, Stand de Taller Balam • Bilbao L’Esperit del Gravat – Exposición Colectiva de artistas del grabado en Raima • Barcelona 2024 Paper & Ink – Exposición Individual, Art Gallery at Encanto Tattoo, Tampa – Florida • USA FIG – Feria Internacional de Grabado y Arte sobre papel, Stand de Taller Balam • Bilbao Constelaciones – Grabados del zodiaco, Exposición Colectiva, Taller Balam • Barcelona 2023 Art Beyond Boundaries, Exposición Colectiva Internacional, The National Art Center Tokyo, Minato City, Roppongi, 7, Tokyo • Japón

Luis Rodrigo Anaya (Ciudad de México, 1984) reside en Barcelona y desarrolla su trabajo en torno al grabado y la obra sobre papel. Su trayectoria reciente incluye exposiciones individuales y colectivas y participación en ferias especializadas en grabado y arte sobre papel en España, Estados Unidos y Japón. El Encanto es un grabado en linóleo con detalles pintados a mano sobre papel artesanal.

Madreinspain = Daniela Muñoz White + Juan Carlos Iniesta.
Nace en 2001 de la unión de las Bellas Artes y la Publicidad. Iluminamos y adornamos espacios, contando historias, jugando con las palabras y lanzando mensajes que se escuchan a través de los ojos y el alma en forma de lámparas, esculturas con luz e instalaciones. Hace un año creamos una nueva linea, reinterpretando la señalética urbana que guía nuestros trayectos callejeros. Intervenimos las señales que tejen las calzadas, añadiendo a su nombre y a sus pictogramas una ligera carga de poesía, ironía, sátira y orgullo de barrio. O todo a la vez.

Las ciudades que habitamos se están convirtiendo en algo que no reconocemos y que nos debemos replantear, como personas, como habitantes y como ciudadanos. Les pasa también que olvidamos lo especial y único de ellas, lo que nos hizo quedarnos a vivir allí o lo que las hace diferentes.
Ese es el punto de partida de esta línea de trabajo en la que a través de señales de tráfico llamamos la atención y cuestionamos nuevas y desconocidas situaciones que debemos abordar y consensuar para amoldarnos a esta nueva realidad, reivindicando también, la identidad y personalidad de la ciudad.
Presentamos en Arte Aparte el proyecto en el que trabajamos actualmente y en el que utilizando paneles A.I.M.P.E, señalética urbana homologada como soporte, lanzamos mensajes dedicados en esta ocasión a la ciudad de Cáceres. Hemos optado, tratándose de una ciudad amable y bella como es Cáceres, por dulcificar el mensaje y quedarnos con lo bueno que nos ofrece este maravilloso enclave, y por las direcciones y caminos por los que transitar en ella.
"Pláceres" es su título y toda una declaración de intenciones. Un homenaje a la mirada callejera y su lenguaje visual. A la ciudad, sus signos y su identidad. Sigue la señal.

Su práctica trabaja con lámparas, esculturas con luz, instalaciones y, más recientemente, reinterpretaciones de señalética urbana. Pláceres utiliza paneles A. I. M. P. E. homologados para lanzar mensajes dedicados a Cáceres.

Maria Cambero es una artista plástica nacida en Cáceres que actualmente está cursando el grado de Bellas Artes en la Universidad de Granada. Su producción está centrada en la fusión de la música electrónica con la pintura. Mediante la representación pictórica al óleo y usando grandes formatos, la joven muestra una faceta de su ciudad poco conocida: sus raves y fiestas de electrónica. Gracias a la fusión de dos mundos totalmente opuestos, conecta y entrelaza pasiones; por un lado el del mundo de la pintura, usando colores vibrantes y cargados de movimiento y por otro el de la electrónica y el baile, cargado a su vez de movimiento, de bombos, de amigas y de amor.

En esta obra pictórica, con unas medidas de 193x130cm, se retrata con una gran calma y belleza un instante de una rave francesa. Una inmensa re-interpretación de una imagen captada por el fotógrafo francés Jean Ingeenbleek (0ptik_), necesita observarse desde cerca para poder ver todos los detalles diferentes que ocultan sus pinceladas: latas, gafas de sol, mucho graffiti, tatuajes… En definitiva, es cuadro imponente y con presencia, aunque al mismo tiempo tranquilo y pacífico.

Maria Cambero, nacida en Cáceres y estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Granada, centra su producción en la relación entre pintura y música electrónica. Trabaja con óleo y grandes formatos para representar raves y escenas vinculadas al baile mediante colores intensos y composiciones cargadas de movimiento. TRIBUTE PARTY 5 reinterpreta una fotografía de Jean Ingeenbleek tomada en una rave francesa. La escala de la obra invita a observar de cerca detalles como latas, gafas de sol, grafitis y tatuajes, combinando una presencia monumental con una atmósfera tranquila.

Artista multidisciplinar cuyo lenguaje visual se mueve entre el dibujo, la ilustración, el diseño gráfico, la pintura y el grabado.
[2024] – Exposición colectiva en “La lente y el pincel”
[2023] – Feria de arte en la Sala Belleartes de Cáceres.
[2022-2023] – Feria de arte de Mastro Piero.
[2023-2024] – Exposiciones colectivas sala Malinche en el complejo cultural San Francisco de Cáceres.
[2024-2025] – Exposiciones colectivas sala Malinche en el complejo cultural San Francisco de Cáceres.
[2025]- Exposición colectiva “Cáceres Ilustra” en El Chaflán.
[2026]- Mercado de arte. Jardines del museo de Historia y Cultura. “Casa Pedrilla”

Monotipo estampado en dos fases: la mancha anaranjada del rostro está estampada de forma manual y las dos formas geométricas verdes son dos matrices de madera estampadas en tórculo. En una tercera fase se ha intervenido el monotipo con tinta y pintura acrílica. Representa la transformación celular a través del paso del paso del tiempo. El tiempo hace envejecer y a su vez permite que la vida continue en otras células gracias a los recursos naturales que nos rodean. Tenemos por un lado el rostro sonriente y craquelado con una mancha irregular y por otro la conexión con la naturaleza verde y viva. Conviviendo todas esas células en un conexión de vida infinita.

Marina Aizen, artista, docente y Licenciada en Artes Visuales. Ilustré para editoriales y clientes de Argentina, USA, Australia y UK. Expuse en Argentina, Estados Unidos e Italia. Descubrí el bordado por curiosidad y hoy es parte de mi día a día, junto al dibujo a mano y digital, en mis proyectos y trabajos con clientes.

Su práctica combina bordado, dibujo manual e ilustración digital. Alma Azul es un bordado sobre tela realizado en 2015.

SOy licenciada en Bellas Artes con especialidad en Pintura. Profesionalmente me he dedicado al Diseño gráfico y a la Ilustración. En lo artístico me muevo entre el arte Textil, el bordado y el collage. Todos mis collages llevan bordado sobre el papel, dándoles un acento diferente y rematando la composición. Me gusta usar papeles como planos de color para darle una fuerza pictórica al collage y, a veces, suelo usar color en las imágenes con lápices de colores o acrílico, así como papeles pintados con acuarela o gouache.

Concepto japonés (Kado / Kadō): Traducido como "el camino de las flores", es el término tradicional japonés que define el arte del arreglo floral (Ikebana) Esta obra gira entorno al retrato configurado como un arreglo floral y un canto a la naturaleza que todo lo convierte en belleza.

En su práctica artística combina collage, textil y bordado, utilizando el papel como plano de color e interviniendo las composiciones con hilo, lápiz, acrílico, acuarela o gouache.

Mark Molero (2003) es un artista plástico nacido en Roquetas de Mar, Almería. Interesado desde su infancia en las distintas áreas de lo creativo, se gradúa en Bellas Artes en 2025 por la Universidad de Granada, cursa el Máster en Producción e Investigación en Arte en la misma institución y se embarca en estudios de doctorado en su Departamento de Escultura, lo cual compagina con la creación y participación en diversos proyectos expositivos. Trabajando desde lenguajes principalmente pictóricos, escultóricos e instalativos, Mark centra su creación artística en la materialidad del objeto cotidiano y en procesos lentos a través de los cuales potenciar una observación desde lógicas temporales contrastantes con la aceleración de la era contemporánea. A partir de esta práctica, ha realizado exposiciones individuales como Objetos silentes en el Centro de Arte Joven Rey Chico o Al ojo, a la mano en la sala de exposiciones del hotel Áurea Washington Irving; ha obtenido distinciones como el Premio de Arte Joven del XXVII Premio de Arte Contemporáneo de Granada y el Premio de Adquisición Alonso Cano 2025; y participado en exposiciones como FACBA 26 de la mano de la galería Renace Contemporary Art, JARANA II y ABRE X Omnia; entre otras. En la actualidad, su trabajo continúa indagando en las relaciones entre las políticas temporales y la materia ordinaria, introduciéndose en nuevos proyectos expositivos desde los que propone actitudes de detenimiento y una mirada activa frente a lo cotidiano.

"Una mandarina" explora la posibilidad de afrontar una tarea cotidiana, como es la compra en un supermercado, desde la más exacerbada y dilatada lentitud. En ella se adquieren un total de 50 mandarinas de una en una, abordando la acción desde una pausa reiterativa que nos lleva a extrañar lo común y a hacer consciente lo que por mera costumbre había sido automatizado. Como resto de la acción, permanecen 50 tickets que, a pesar de aparentar una gran similitud en primera instancia, se diferencian entre sí mostrando los minutos que separan una compra de otra, las mínimas diferencias de peso y precio entre las piezas de fruta y la temporalidad que dirige la acción hacia una extensión total de dos horas desde la primera compra hasta la última.

Mark Molero (Roquetas de Mar, 2003) trabaja con pintura, escultura e instalación y centra su investigación en la materialidad de los objetos cotidianos y en procesos lentos que contrastan con la aceleración contemporánea. Una mandarina parte de una acción en la que compra cincuenta mandarinas, una a una, prolongando una tarea ordinaria durante unas dos horas. Como resto quedan cincuenta tickets casi iguales que registran diferencias mínimas de tiempo, peso y precio y convierten la repetición en una forma de hacer visible aquello que la costumbre suele automatizar.

Soy licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Mi trabajo se desarrolla principalmente a través de la pintura, el collage y el assemblage. He realizado exposiciones individuales y colectivas y mi obra ha sido seleccionada y expuesta en espacios, convocatorias y programas expositivos como la Fundación Iberoamérica Europa (2021), Arte Aparte (2022), Cruce Arte y Pensamiento (2023) y Studio Arriaza (2023-2025).

Agnus Dei reúne imágenes y objetos donde la fragilidad convive con la amenaza y la pérdida. Incluso en medio del caos, el amor continúa sosteniéndonos

Massimo Casalini (Livorno, 1968) es un artista visual italiano residente en Pisa. Su vocación artística surgió a edad temprana, primero a través del dibujo y la ilustración y, más adelante, de la fotografía y la pintura. Tras estudiar diseño gráfico y cómic, en 2002 se convirtió en alumno del pintor romano Mario Ferrante, un paso decisivo en el desarrollo de su práctica artística.

Su trabajo parte de un enfoque personal y exploratorio de la creación de imágenes, nutrido por la literatura, los viajes, la fotografía y la experiencia vivida. En lugar de considerarse únicamente pintor, Casalini describe su práctica como una forma de exploración: una manera de dejar huellas visuales para recorrer la memoria, la experiencia y la complejidad de la vida contemporánea.

Desde 2003 ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, concursos y eventos de pintura en vivo en Italia y otros países. Su trabajo ha sido seleccionado o reconocido en varios premios, entre ellos el Premio Celeste, Hell’s Heart Art Competition de Brooklyn, Jackson’s Art Prize y el Premio Rotonda de Livorno.

En 2011 ideó «Tre colori, una bandiera e un sacco di artisti», un proyecto colaborativo en el que participaron cientos de artistas de toda Italia. En 2023 fundó el colectivo Skimmers, con el que continúa desarrollando y mostrando proyectos colaborativos de arte contemporáneo.

Su práctica, desarrollada desde el dibujo, la ilustración, la fotografía y la pintura, entiende la creación como una forma de exploración de la memoria, la experiencia y la complejidad de la vida contemporánea. TUTTOMONDO RELOADED entrelaza cuerpos hasta disolver fronteras y utiliza los tatuajes como espacio de convivencia entre iconografías de diferentes tradiciones y épocas. Un gesto de plegaria o súplica introduce vulnerabilidad y esperanza, mientras una catástrofe en el extremo superior funciona como advertencia sobre responsabilidad colectiva y futuro.

Monica Sarandrea nació y vive en Roma. Se graduó en Lenguas y Literaturas Extranjeras en la Universidad La Sapienza y posteriormente asistió a los cursos de arte de la escuela La Porta Blu (2004-2010), donde recibió la tutoría del artista Alberto Parres. Desarrolló sus habilidades pictóricas trabajando el color y la profundidad de campo, y pasó gradualmente de la figuración a la abstracción. Desde 2011 trabaja también en escultura, centrándose en materiales como la arcilla, el yeso y el mármol. Su investigación artística se basa en un diálogo constante entre la literatura, en especial el simbolismo francés, y las filosofías orientales. Sus obras son resultado de una investigación profundamente vinculada a la naturaleza y su dimensión espiritual. El agua y la tierra son los elementos femeninos que nutren su trabajo. Desde 2006 participa en festivales de arte contemporáneo y en exposiciones colectivas e individuales en galerías y espacios institucionales de Italia y otros países.

Tras formarse en Lenguas y Literaturas Extranjeras y en la escuela de arte La Porta Blu, desarrolló una práctica que pasó progresivamente de la pintura a la escultura, trabajando con materiales como arcilla, yeso y mármol. The nymph's dress (La veste della ninfa), fechada en 2025 en el archivo de obra enviado por la artista, está realizada con tela de algodón, yeso y resina.

Fotógrafa y directora de arte cuya obra habita en la frontera de lo disruptivo y lo conceptual. Su práctica artística se caracteriza por construir imágenes de alta tensión narrativa, utilizando la dirección de arte para descontextualizar elementos cotidianos, religiosos y urbanos. Con una estética cruda, contrastante y cargada de simbolismo, su trabajo desafía las percepciones del espectador, transformando el espacio y el cuerpo en escenarios de una narrativa visual provocadora, irónica y profundamente cinematográfica.

Esta obra habita en la frontera entre la forma simbólica y el peso material. Utilizando el contraste de texturas, la pieza contrapone la fragilidad del cristal como metáfora de una transparencia honesta, libre de intereses ocultos con la solidez del metal, que simboliza el sistema de valores que ancla y sostiene nuestra postura ante el mundo. Aquí, el arma pierde su naturaleza violenta para convertirse en un manifiesto visual: el acto de resistir transformado en nuestra herramienta más pura de defensa.

Nadin Volfman (Chișinău, Moldavia, 1987) es una artista multidisciplinar que vive y trabaja entre España y los Emiratos Árabes Unidos. Con formación en psicología, dirección, escenografía y composición visual, desde 2019 se centra en el yeso moldeado a mano como medio escultórico. Mediante la repetición de rostros de yeso, crea instalaciones y obras murales que exploran la memoria, los estados interiores y la relación entre la experiencia individual y estructuras culturales y psicológicas más amplias. Estudió dirección y producción de eventos, así como composición, diseño y pensamiento visual en la School of Architecture and Design (SHAD). Su trabajo también se ha publicado en Al-Tiba9 Contemporary Art.

Shift registra una reorganización silenciosa del paisaje interior: un momento en el que los patrones conocidos pierden gradualmente su certeza y comienza a emerger un nuevo orden.

Artista visual brasileña radicada en Barcelona. Su trabajo integra procesos manuales y digitales, explorando formas geométricas inspiradas en la naturaleza a través de la construcción por acumulación de capas. Trabaja principalmente con fieltro cortado y ensamblado a mano, generando composiciones densas donde cada capa suma sentido visual y cromático. Su producción abarca desde cuadros textiles hasta piezas volumétricas e instalaciones de gran escala en espacios públicos en São Paulo y Hong Kong.

La Batalla parte de una observación cotidiana y distópica: la disputa aérea e imprevisible que protagonizan las aves urbanas en torno a los restos de comida ultraprocesada, convertida en materia visual y conceptual. La obra propone una coreografía del caos: cuerpos en tensión, jerarquías negociadas en tiempo real, una radiografía del espíritu del tiempo donde abundancia y precariedad coexisten en un mismo instante. El fieltro, material blando y táctil, construye mediante la superposición de capas figuras en plena disputa, una tensión entre la suavidad del material y la intensidad de la escena.

Nana Iguchi es una artista residente en Tokio y fundadora de 0.00, creado en 2012. Además de dirigir tiendas de museos y acuarios, su práctica artística explora nuevas perspectivas mediante la traducción de la naturaleza, los seres vivos, la luz y la sombra a distintas formas.

00, proyecto iniciado en 2012. Su práctica traduce naturaleza, seres vivos, luz y sombra a distintos formatos para proponer nuevas perspectivas de percepción. Shadow consiste en una construcción textil negra suspendida que aparece casi como una sombra. El público la ilumina con la linterna de su propio teléfono, generando una segunda sombra móvil que varía según la posición y la distancia de la luz, de modo que cada encuentro con la obra produce una configuración diferente.

Graduado en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València (2026). Su práctica se desarrolla principalmente desde la pintura y la construción de la imágen mediante registros y herramientas digitales, explorando la relación entre territorio, memoria e identidad. Ha participado en exposiciones y proyectos colectivos como el Centro de Congresos y Exposiciones de Barbastro y el Centro Superior de Música del País Vasco (Musikene). En 2025 presentó, junto a Manuela Luna, la exposición Cuando tenga mi casita en el Espai Cultura de Tavernes Blanques, Valencia.

Buscar en Google Maps parte de un recorrido virtual por la ciudad natal del artista a través de Google Street View, realizado desde la disntacia. De esta experiencia surge un archivo perosnal de imágenes que sirve como punto de partida para la obra. A partir de este archivo, el collage digital perite seleccionar y reconfigurar distintas imágenes, incorporando la figura del flâneur como un cibernauta que revisita espacios del pasado. Sobre su cabeza aparece un fragmento de la fachada del apartamento del propio artista, extraído de Google Maps, intégrandose en una representación fragmentaria del esapcio de origen. La composición resultante se traslada posteriormente al óleo, estableciendo un diálogo entre la imagen digital y su materialización pictórica. En este juego de registro, la obra persigué explorar las relaciones entre memoria, territorio e identidad.

En japonés, Kamen significa máscara. Esa que utilizamos todos los días, tras la que ocultamos los verdaderos sentimientos y nos sirve para disfrazarnos delante de los demás. Material proveniente de: portada de revista japonesa de los años 50, palito de fibra natural teñido de azul y libros de botánica, entre otros.

PUNK BROCOLI es el proyecto artístico de Josefina Gómez Martínez, con una práctica centrada en el collage y presente en exposiciones colectivas e individuales desde 2020.

Soy un artista plástico que explora temas relacionados con la naturaleza y la sociedad, mi identidad es figurativa y en algunos aspectos abstracta. En mis obras, suelo representar figuras humanoides rompiendo la normalidad biológica del ser humano. Busco jugar con la serigrafía y desatar en el espectador curiosidad por lo que puedan significar mis piezas.

En la tradición clásica, Prometeo roba el fuego de los dioses para entregárselo a la humanidad, permitiéndole avanzar y desarrollarse. Como castigo, es condenado a un tormento eterno, donde un águila devora su hígado cada día. La escena presenta una figura en relación con formas agresivas o invasivas, evocando la idea de castigo y repetición. Se plantea una lectura contemporánea de sus consecuencias. La obra revisa la figura de Prometeo desde una perspectiva crítica, cuestionando la idea de sacrificio heroico asociada al mito. El acto de entregar el fuego a la humanidad, tradicionalmente entendido como un gesto altruista, se plantea aquí como una imposición. Prometeo no solo transgrede el orden divino, sino que decide unilateralmente el destino de los humanos, guiado por una visión propia de lo que estos deberían ser. La pieza sugiere que este gesto introduce el conflicto, el conocimiento como carga y la ruptura de un estado de armonía previo.

ROMOAMA es el nombre artístico de Amalio Albaladejo Díaz. Su práctica plástica explora naturaleza y sociedad mediante una figuración que altera la normalidad biológica del cuerpo humano y combina pintura y recursos serigráficos.

Rosana Larraz (Zaragoza, España) es una artista plástica afincada en Málaga. Su obra se sitúa entre la abstracción lírica y el expresionismo, con la luz, la atmósfera y la memoria como ejes de su investigación. Licenciada en Historia del Arte y formada durante años en pintura figurativa, su práctica se nutre también de su experiencia en comunicación intercultural, viajes y diferentes entornos culturales. Su mirada ha sido especialmente marcada por sus años en Suiza y por sus experiencias en Japón, Bolivia, Italia y Grecia. Trabaja principalmente con acrílico y técnicas mixtas, a menudo directamente con las manos, combinando intuición y una composición cuidadosamente estructurada. Desde 2023 vive y trabaja en Málaga. Su obra se ha expuesto tanto en España como a nivel internacional.

Salmo (100 × 70 cm, acrílico sobre papel Canson, 2025) pertenece a la serie Lúmina. La composición sugiere un conjunto de figuras humanas inmersas en una corriente ascendente. Destacan dos: una figura de pie que señala una dirección y otra sentada, de espaldas al espectador, que actúa como "Rückenfigur". Esta última establece un vínculo entre el espectador y el espacio representado, permitiéndole compartir su punto de vista y contemplar la escena desde dentro. La obra toma como referencia el salmón que remonta el río, convertido en metáfora de la trayectoria de un artista: avanzar contra la corriente, mantener una dirección propia y perseverar pese a las dificultades. La pincelada gestual, realizada en parte directamente con los dedos, y el tratamiento de la luz aportan dinamismo a la composición. El uso de la luz y el movimiento establece un vínculo con la tradición luminista, especialmente con la pintura de Joaquín Sorolla. El título Salmo, asociado al canto, la oración y la búsqueda de sentido, introduce una dimensión espiritual. La corriente representa las fuerzas que condicionan el recorrido; las figuras, las distintas formas de afrontarlo. La obra plantea así una reflexión sobre la trayectoria vital y artística, y sobre la necesidad de encontrar y mantener un camino propio.

La luz, el movimiento y la pincelada gestual refuerzan esa dimensión vital y espiritual.

Nacida en Madrid, fisioterapeuta de profesión; y collagista-bordadora autodidacta desde hace 6 años. Formada en diversos talleres de bordado, me gusta explorar las posibilidades del papel, y su combinación con el hilo, para así realizar piezas que inviten a ser leídas e interpretadas con el tacto.

Exposiciones

Centro Municipal García-Alix. Exposición benéfica "Artistas x Venezuela". Julio 2026

Candela Gallery. Exposición solidaria "Arte x Venezuela". Julio 2026

Catálogo Todos x Venezuela. Exposición solidaria. Julio 2026

Vorágine Cafe. Exposición colectiva "Locas por el collage". Mayo 2026

Galería La Mutante, Madrid. Exposición colectiva "Geografías de un Recorte". Marzo 2026

Creatitis Art Lab. Exposición colectiva "Me salvan mis amigas". Marzo 2026.

La Recova . Exposición colectiva XI. Enero-Abril 2026.

Galeria The River. Exposición individual " Universo en femenino". Septiembre-octubre 2025

Centre Cultural Esglesia Vella. Exposición colectiva "Femení plural. Dona i collage". Mont Roig del Camp, Tarragona , marzo 2025.

SARA SCISSORS es el nombre artístico de Sara Sánchez-Villacañas Hernando, collagista y bordadora autodidacta. Su práctica explora las posibilidades del papel y su combinación con el hilo para crear piezas que invitan a una lectura también táctil. GREEN es un collage bordado de 30 × 40 cm.

Modelista y artista aficionado de forma autodidacta. Catovi.

Obra hecha completamente a mano mediante varias técnicas artesanales de pintura y modelado. No se ha utilizado la impresión 3D ni el corte láser para la realización de esta obra.

El artista especifica que en su producción no se han utilizado impresión 3D ni corte láser, subrayando el carácter manual del proceso de construcción de la pieza.

PREMIOS
2024: Finalista del XXIV PREMIO DE PINTURA “TIMOTEO PÉREZ RUBIO” – Oliva de la Frontera, BADAJOZ
2024: PRIMER PREMIO del “Call for Shocking Artist” – Galería 48 Art Studio – MADRID
2024: Finalista del XXIV Certamen de Pintura ACOR – VALLADOLID
2022: Finalista del XLIII Premio Gredos de Pintura 2022 – Arenas de San Pedro, ÁVILA
2021: Finalista del XLII Premio Gredos de Pintura de Arenas de San Pedro, 2021 – Arenas de San Pedro, ÁVILA
2021: Finalista del Premio Nacional de Pintura Juan Francés Feria de Agosto 2021 – Xátiva, VALENCIA
2021: Finalista del VII CONCURSO DE ARTES PLÁSTICAS DCOOP – Antequera, MÁLAGA

Exposiciones individuales
2024: “¿Sé protegerme?” / Galería 48 Art Studio – MADRID
2022: “¿Sé protegerme?” / Galería la U mutante – SALAMANCA

Exposiciones colectivas
2024: Finalistas del XXIV PREMIO DE PINTURA “TIMOTEO PÉREZ RUBIO” / Oliva de la Frontera, BADAJOZ
2024: FAIM Art – Feria internacional de Arte Independiente / FUNDACIÓN PONS – MADRID
2024: Finalistas del XXIV Certamen de Pintura ACOR / Iglesia de las Francesas – VALLADOLID
2022: Exposición “Acebo” / Galería Léucade – MURCIA
2021: VII edición de la Feria “Arte Aparte” / Galería Belleartes – CÁCERES
2021: Finalistas del XLII Premio Gredos de Pintura de Arenas de San Pedro, 2021 – Finalista – Arenas de San Pedro, ÁVILA
2021: Finalistas del Premio Nacional de Pintura Juan Francés Feria de Agosto 2021 – Finalista – Xátiva, VALENCIA
2020: VI edición de la Feria “Arte Aparte” / Galería Belleartes – CÁCERES

Una acción aspira a alcanzar un objetivo y, con ello, a transformar una situación dada; su motivación consiste en que se concede más valor
al fin perseguido que a la situación existente. La teoría del skopos, introducida por los lingüistas de la escuela alemana Katharina Reiss y Hans Vermeer surge de la corriente funcionalista de la traducción, y propone que toda traducción está sujeta a un fin último, skopos, que debe cumplir el texto en la lengua meta. Para ello, se analizan una serie de factores a tener en cuenta a la hora de traducir entre los que priman la función del texto y el encargo de traducción. Vermeer acuñó el término skopos (del griego σκοπός), que significa algo tan sencillo y a la vez tan esclarecedor como «propósito» u «objetivo».

“Skopos” como obra pictórica, es un ejercicio de hermenéutica, un óleo sobre lienzo que nace del asombro y la perplejidad, al descubrir que en las jugueterías de los países musulmanes se vende una muñeca que es la adaptación de la famosa Barbie a las peculiaridades árabes. Se llama Fulla y sale a la venta en el mundo musulmán en 2003, dos años después de los atentados de las Torres Gemelas de Nueva York. La muñeca básica de Fulla lleva velo y entre los complementos siempre dispone de un tapete para arrodillarse a rezar (porque Fulla, al contrario de Barbie, sí tiene articuladas las rodillas, con ese fin). También se comercializa un “Prayer Set” para que en este caso sea la niña la que haga sus oraciones. En el mundo asiático encontramos de nuevo una adaptación similar para frenar el éxito en ese mercado de Barbie. Creada 8 años después que la rubia americana, en este caso la muñeca se llama Licca-chan y es referente tanto para las niñas como para los adultos japoneses.

"Skopos" tiene la finalidad de un examen de conciencia donde todos los recursos son válidos y esenciales, desde la sorprendente escena de Barbie derramando lágrimas en el cine, como las reproducciones de personajes de pinturas flamencas, funkos, los iconos habituales de Windows, las carpetas, el equipo, la papelera de reciclaje vacía. Todo vale para la edificación, especialmente enfocados a las nuevas generaciones, que son los que más van a tener que aportar cuando el examen de conciencia lleve a la acción. Creaciones con un propósito de comunicación muy determinado. Inmutables, las reminiscencias de las pinturas ejemplares de El Bosco o Peter Brueghel, en esa continua percepción de una imagen negativa y de carácter disuasivo, que sirviera de advertencia y simultáneamente se mofe de la conducta humana, con una buena porción de ironía. La denuncia implícita y escorada de que el comportamiento de la humanidad es una eterna sensación de fracaso, de no avance a pesar de los avances… una rayada.

SERRANO XXI es el nombre artístico de Antonio García Serrano, pintor con una trayectoria de exposiciones y selecciones en certámenes nacionales. SKOPOS toma como punto de partida el concepto de propósito u objetivo y lo traslada a un ejercicio pictórico de carácter hermenéutico. La obra articula referencias a muñecas adaptadas a distintos contextos culturales, iconos digitales y ecos de la pintura de El Bosco y Brueghel para plantear una reflexión irónica sobre modelos culturales, comportamiento colectivo, comunicación y capacidad de acción.

Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca, obtuvo el Premio extraordinario. Ha realizado también estudios musicales de Piano y Composición en el Conservatorio de Salamanca. Esta doble faceta formativa se hace evidente en su trabajo artístico, que fluctúa entre el análisis del factor temporal en relación con los procesos culturales y la dimensión de lo real como sistema modificable mediante el discurso, todo ello mostrado siempre con un carácter de intervención artística entendida como escenografía y espacio para la reflexión pública. Ha sido becado por instituciones como la Casa de Velázquez, la Fundación Bilbao Arte, Etopia (Zaragoza), Universidad de Salamanca, Azkuna Zentroa (Bilbao) o la Diputación Provincial de Zaragoza. Ha participado en ferias de arte contemporáneo como ArcoMadrid, JustMad, Estampa, Arte Santander, GetxoArte o la Room Art Fair. Ha recibido también numerosos premios en certámenes de artes visuales y de intervenciones artísticas.

Alfa y Omega es una obra en espuma de poliuretano cuyo montaje puede adaptarse a las necesidades del espacio.

XYX es un colectivo artístico que se compone de 3 integrantes fijos: Geraldine Jensen (make-up y pintura), Yanina Jensen (diseño espacial y dirección creativa) y Alexandra Jensen (performer). La propuesta de las artistas en cada proyecto varía, se propone un disparador, una idea rectora que incentiva la inspiración y la creatividad de los demás artistas que son convocados. Según el concepto a desarrollar, XYX invita a distintos trabajadores del área para que plasmen su subjetividad artística libremente, bajo el mismo lineamiento estético. La experiencia se constituye entonces como un evento irrepetible, un ritual distinto en cada edición. Se han realizado realizado dos experiencias llamadas Oculta Metamorfosis (2023) y Densa Transformación (2024) siguiendo este formato en la ciudad de Tandil. En el 2026, presentamos en el Museo de Bellas Artes de la ciudad, en el marco del evento Caja Blanca, una foto-instalación acompañada de performance.

“Tierra de bisturí, cielo de anhelos” forma parte de un conjunto de fotografías que abordan la creación de distintos personajes femeninos que buscan parodiar los estereotipos de género y la violencia estética en los cuerpos. Inspirándonos en la historia de la exigencia por la belleza física y remontándonos a los parámetros de la antigüedad, encontramos en la Venus de Lespuge (27000-16000 a.e.c) inspiración y un juego de paralelismo para la creación de esta imagen actual del cuerpo femenino y su búsqueda inalcanzable de la belleza. Según Martínez y Muñoz (2015) en los medios se expande un canon de belleza femenino basado en imágenes irreales, en su mayoría estas están manipuladas para mostrar a las mujeres sin líneas de expresión en su rostro, con piel de porcelana, se busca que los detalles de la piel desaparezcan, se blanquean los ojos y los dientes, para así, para dar cuenta de una perfección extrema que favorece una estética que se asemeja más a la muñeca Barbie siliconada que a una mujer real. Las mujeres mediatizadas se muestran como referentes de belleza, son jóvenes poseedoras de cuerpos deseables: grandes senos, caderas y glúteos acompañados por labios voluminosos obtenidos mediante procedimientos riesgosos y costosos. Ellas son quiénes indican consejos para hacer dietas, tomar adelgazantes, adoptar sus rutinas de cuidado físicos, estilos de maquillajes y peinados, incluso someterse a las mismas cirugías estéticas. Y aún así, nunca es suficiente aunque se gastase una fortuna en ello. La publicidad, las redes sociales y la inteligencia artificial hicieron de lo excepcional una norma y están empujando a la mayoría de las mujeres a sentirse inconformes por no lucir como una selecta, escasa, operada y digitalmente editada minoría. Proponemos con esta fotografía caricaturizar las siluetas corporales ficticias, denunciar una demanda impuesta y repensar el peso de lo que a la vista es “liviano”.

La pieza contrapone referentes históricos de la representación corporal con cánones contemporáneos difundidos por publicidad, redes sociales e imágenes manipuladas para cuestionar la exigencia de una perfección física inalcanzable.

La artista nació en un pequeño pueblo siberiano, con antiguas yurtas tártaras, en un entorno marcado por la coexistencia de diversas tradiciones culturales y religiosas, entre ellas el cristianismo ortodoxo, las prácticas islámicas y los lenguajes ornamentales de los pueblos del norte. Este contexto configuró una percepción de la realidad como algo estratificado y no jerárquico, donde conviven distintas dimensiones temporales, culturales y espaciales sin reducirse a un único relato.

Exposiciones colectivas en 2026: «I AM– O SONO», Museo Nacional Romano, Roma, Italia; «L’Impronta della Memoria», Galleria Spazio Imago, Arezzo, Italia; ARTMUC, Alemania (próxima).

Zinaida Zakharova, nacida en Siberia y residente en Italia, desarrolla una práctica marcada por la convivencia de tradiciones culturales y religiosas diversas y por una percepción de la realidad como estructura multicapas, donde tiempos, espacios y narrativas pueden coexistir sin jerarquía única. Lilly está realizada mediante impresión al óleo sobre papel y mide 18 × 24 cm.

Alessia Luongo (Avellino, Italia, 1992) presenta Dyno on the moon, una pieza de vídeo y sonido.

ACERCA DE MÍ Nací en Barcelona en 1979 y me críe en la cercana Badalona. Soy dibujante de cómics e ilustrador formado en la Escola Joso Cómics. He publicado tres libros y ganado varios premios de ilustración y cartelería. Me autodefino como artista “todoterreno” porque, además de emplear recursos digitales, con todas las técnicas manuales me encuentro como pez en el agua y mi estilo es camaleónico a la vez que muy personal. Mi obra, a menudo cargada de tintes inquietantes y peculiares puntos de vista, con toques de humor negro, está influida por el surrealismo, el expresionismo y la cultura pop. Artistas contemporáneos como Bill Plympton, Jan Svankmajer, Robert Crumb, Frank Miller o Charles Bukowski son algunos de mis referentes, por no hablar de mi larga lista de músicos de cabecera. En esta etapa de mi carrera estoy experimentando con nuevos medios y posibilidades: para mí es muy satisfactorio tallar madera y crear desde cero mis propias animaciones, para las cuales produzco incluso la banda sonora. Toco varios instrumentos de forma autodidacta: tengo el ritmo en el cuerpo 😛 Estoy comprometido con la protección del medio ambiente y la conexión con la naturaleza es una de mis grandes fuentes de inspiración y alegría.

Narración visual de lo que para mi es la consecuencia de vivir en una sociedad que no permite desconectar. En una sociedad saturada de información, pantallas y distracciones, nos olvidamos de la importancia del silencio. "INTERFERENCIAS" fue finalista en la edición XXIII Certamen Internacional Videominuto 2024. En la categoría Premio al mejor VIDEOMINUTO ARAGONÉS 2024.

Su práctica combina procedimientos manuales y digitales, animación y creación sonora, con referencias al surrealismo, el expresionismo y la cultura pop.

Robert Sirvent ha desarrollado su carrera artística de forma multidisciplinar. Es músico, pintor y videoartista, usando muchas veces su talento en todas estas disciplina spara crear proyectos multidisciplinares. Ha participado en diversos proyectos artísticos y pedagógicos en España y en otros países. Ha expuesto en diversas exposiciones y sus videarts han sido reconocidos y premiados en muchos festivales. Recientemente un cuadro suyo ha sido seleccionado dentro del contexto de un homenaje a la pintora Paula Modersohn Becker ( Barkenhoff Museum en Worpswede- Alemania) y su video-music BELIEVER ha sido seleccionado en el Porto Video Music Film Festival.

¿Quién interfiere en nuestra vida, en nuestrasd decisiones , en nuestros sentimientos, en nuestra personalidad?. Son obvias las interferencias producidas desde el entorno familiar, las instituciones, los medios de comunicación, las redes sociales… Pero, de repente, descubrimos que también nosotros , en un terrible ejercicio de funambulismo camaleónico, estamos interfiriendo en nuestra propia vida y boicoteando incesantemente nuestra esencia última, intentando ser lo que no somos. Un día caemos en la cuenta y nos revolvemos contra todo aquello que nos constriñe, aunque puede que ya sea demasiado tarde para averiguar quienes somos en realidad, condenados finalmente a ser una simple mancha difusa en franco estado de corrosión.

Robert Sirvent Tolsa (La Torre de les Maçanes, Alicante, 1958) desarrolla una práctica multidisciplinar entre música, pintura y videoarte. INTERFERENCIAS examina las presiones externas que condicionan decisiones, sentimientos e identidad y añade una segunda dimensión: la forma en que cada persona puede interferir en su propia vida mediante adaptación y autoengaño. La obra plantea ese conflicto como un proceso de erosión de la identidad.

Soy Santiago Crime, cineasta, fotógrafo y montajista dominicano-venezolano radicado en la República Dominicana. Mi trabajo se centra en la construcción de narrativas a través del montaje, explorando la memoria y el exilio desde diferentes medios. Mi formación ha sido enriquecida por espacios de aprendizaje junto a referentes como Lucrecia Martel, Tanya Valette y Johanne Gómez Terrero, cuyas perspectivas sobre la puesta en escena, el sonido y la construcción narrativa han influido profundamente en mi manera de pensar el cine y el montaje.

Hay recuerdos que nunca abandonan un cuerpo. Este videoarte parte de uno de ellos: la imagen de un niño venezolano que presencia el instante en que un hombre apunta un arma a la cabeza de su padre. Ese momento permanece suspendido en la memoria y, años después, resurge desde la distancia del exilio. Ahora viviendo en la República Dominicana, el protagonista intenta reconstruir su pasado mientras habita un territorio que también ha comenzado a llamar hogar. Entre paisajes caribeños, silencios, archivos íntimos y fragmentos de una memoria quebrada, la obra explora cómo la violencia transforma la forma en que recordamos y cómo la migración convierte el pasado en un espacio imposible de abandonar.

Su trabajo se centra en el montaje como herramienta para abordar memoria y exilio. DespuesdeCaracas parte del recuerdo de un episodio de violencia vivido en la infancia y de su reaparición años después desde la distancia migratoria. Paisajes caribeños, silencios y archivos íntimos articulan una reflexión sobre la persistencia del recuerdo, la violencia y la reconstrucción del pasado desde un nuevo territorio.

Margot Canzian Abuathera es artista visual, fotógrafa y videógrafa. Su trabajo explora el exilio no como una ruptura única, sino como una experiencia que continúa atravesando una vida mucho después del desplazamiento inicial. Le interesa el exilio como experiencia colectiva e íntima: aquello que permanece tras el desplazamiento, los legados familiares que deja y las formas en que pasa de una generación a otra hasta entrelazarse con los ritmos cotidianos. Su práctica interroga estas transmisiones intergeneracionales y busca comprender sus efectos como algo que se vive en el presente. Su formación en historia del arte y psicología clínica orienta su enfoque hacia el punto de encuentro entre lo psicológico y lo visual, donde una imagen puede contener aquello que una familia nunca ha logrado expresar plenamente.

Su trabajo estudia el exilio como experiencia colectiva e íntima y sus transmisiones intergeneracionales, apoyándose en su formación en historia del arte y psicología clínica. Según explica la artista, esta obra vincula el aprendizaje del árabe en un contexto afectivo con la incorporación, tras el 7 de octubre, de un léxico asociado a la violencia. La pieza combina ese vocabulario con material de archivo en línea y utiliza su título, tomado de Hatikvah, dentro de ese marco crítico.

Mónica Egido (Salamanca, 1994) es una artista multidisciplinar que utiliza el arte como herramienta de divulgación en torno a la neurociencia del cuerpo, la salud y el estilo de vida en nuestra sociedad. Graduada en fisioterapia y especializada en neurociencia del dolor crónico y neurociencia interoceptiva, obstetricia, meditación y movimiento consciente, combina su práctica clínica con la investigación y la práctica artística.
En 2021 fue becada por PhotoEspaña para cursar el Máster de Proyectos Personales. Su trabajo ha formado parte de PhotoEspaña, ArtMadrid, Estampa y el Festival Internacional de las Artes de Castilla y León (FAcyL). En 2023 fue seleccionada para formar parte de Futures Photography y recibió el premio Fundación Tara For Women.
Ha creado diferentes mesas de divulgación en espacios culturales como el Ateneo de Madrid, La Fábrica o Espacio Larra, para hablar sobre estilos de vida en relación con su proyecto FOMO.
Finalmente, estos últimos años ha intervenido con sus performances en ARCO y FACyL o museo DA2 de Salamanca, ha ganado el VII Certamen de Creación Joven de la Universidad Loyola y ha participado como ponente en encuentros culturales como El Festival de las Ideas o Pública y congresos internacionales sobre salud y dolor crónico.

PARAR es una performance en formato de video arte en la que se resume una las principales cuestiones que reclamo con el proyecto FOMO al momento sociocultural en el que nos encontramos: necesitamos parar, crear espacios para dejar de producir, recuperar nuestra capacidad de aburrimiento y tener tiempos y espacios vacíos y libres de todo tipo contenido.

En una época de apuros, en la que parece que todo sucede a gran velocidad, necesitamos momentos de inactividad, de pausa contemplativa, donde podamos conectar de nuevo con nuestro cuerpo, nuestra mente y nuestras emociones, saliendo de ese piloto automático que tanta repercusión está teniendo sobre nuestra salud, nuestra memoria y nuestra manera de percibir el mundo y a nosotros mismos.

Esta pieza de performance en la que me enfrento en una posición totalmente estática a un elemento simbólico, como es la silla, durante un periodo de 30 minutos, tengo como objetivo generar un diálogo incómodo con el espectador, debido a su contenido aparentemente insustancial, intentando crear un espacio de incertidumbre e inquietud al estar ante una obra que no nos aporta apenas contenido, es decir, todo lo contrario a lo que estamos expuestos en nuestro día a día.

¿Cómo nos sentimos al estar frente a algo que nos debería de aportar contenido y no lo hace? ¿Cómo cambia mi percepción del tiempo al reducirlo todo a la quietud y el silencio absoluto? ¿Aparece en el cuerpo ansiedad? ¿Sensación de estar perdiendo el tiempo? ¿Culpabilidad por perderlo?

La obra no sólo busca generar este tipo de experiencias en el espectador; busca generar un espacio de toma de consciencia en el que podemos reflexionar por qué hemos llegado a esta situación.

Mónica Egido (Salamanca, 1994) es artista multidisciplinar y fisioterapeuta, con formación especializada en neurociencia del dolor, interocepción, meditación y movimiento consciente. Su práctica relaciona creación artística, cuerpo y salud. PARAR condensa una de las cuestiones centrales de su proyecto FOMO: la necesidad de crear espacios de inactividad y pausa. La acción mantiene a la artista inmóvil frente a una silla durante treinta minutos y busca alterar la percepción del tiempo, provocar una relación incómoda con la ausencia de contenido y abrir un espacio de observación corporal y mental.

Pelo_memory.
Performacion- instalación esta pensada para ejecutarse en un espacio y ser grabada, acabada la acción la obra cobrara un nuevo sentido como video instalación.
conceptos: La memoria como residuo vital, percepción de lo vivido olvidado,nos recordarán las maquinas, el pelo como mensaje al universo ¿llegara?

El artista plantea la memoria como residuo vital y como percepción de lo vivido y olvidado, e introduce la pregunta por la capacidad de las máquinas para conservar aquello que desaparece de la memoria humana. El pelo funciona en la propuesta como materia, huella y posible mensaje lanzado hacia un destinatario indeterminado.

Gonzaga es un artista nacido en Bilbao y residente en Nueva York. Su trabajo se ha presentado internacionalmente en instituciones y festivales como Collection Lambert, Istanbul Modern, MAXXI, Mana Contemporary y The Umbrella Arts Center, así como en programas vinculados a las COP26, COP27 y COP29. Estudió Cine y Medios en la Universidad del País Vasco y Cine y Comunicación en la Universidad Sorbonne Nouvelle. También es comisario y cofundador de la plataforma de artes medioambientales A La Luz. En 2025 recibió el Laureate of Expression Award de la International Society for Performing and Visual Arts.

Reverie registra una lámina de plástico movida por el viento hasta adquirir una presencia casi coreográfica. A partir de ese encuentro, la pieza contrapone la atracción visual y las promesas de utilidad asociadas al plástico con la persistencia de su impacto sobre el medio natural.

João Pedro Oliveira ocupa la cátedra Corwin Endowed Chair in Composition de la Universidad de California en Santa Bárbara. Estudió interpretación de órgano, composición y arquitectura en Lisboa. Ha recibido más de 70 premios y reconocimientos internacionales por sus obras, entre ellos la prestigiosa beca Guggenheim en 2023, el Premio Magisterium de Bourges y el Giga-Hertz Special Award. www.jpoliveira.com

Se formó en órgano, composición y arquitectura y ha recibido numerosos premios internacionales, entre ellos una Guggenheim Fellowship en 2023. Machinarium propone un recorrido por una ciudad imaginaria de máquinas en la que mecanismos y estructuras adquieren comportamientos casi orgánicos. Capas de imagen y sonido se ensamblan como engranajes y cuestionan la frontera entre organismo vivo y artefacto industrial.

Brigitte Valobra (Nancy, Francia, 1956) y Wald (Túnez, Túnez, 1951) son artistas de vídeo e intérpretes que trabajan conjuntamente desde 1988 a través de proyectos vinculados a danza y teatro. Actualmente residen en Valencia. En Flowing, cuerpos y vestimentas se desplazan como una escultura en transformación que va modelando el instante. Ambos firman la actuación, la realización y la banda sonora. La pieza está registrada en blanco y negro, con sonido directo, formato Full HD 16:9 y una duración de tres minutos y cincuenta y un segundos.

Mi práctica artística se sitúa en la intersección entre el derecho, la gestión del riesgo de desastres y el derecho a favor de la vida, esto es, la naturaleza y los procesos que hacen posible la vida. Utilizando herramientas artísticas transdisciplinarias —desde el ensayo documental hasta la mediación crítica—, exploro nuevas formas de enseñar, desde la vida, lo que significa protegerla, en distintos formatos. Entiendo el arte no solo como representación de lo que la palabra “comunidad” significa para mí, sino también como un dispositivo de acción política, diálogo horizontal y resistencia comunitaria frente al despojo de la consciencia individual.

Viene con 40 pruebas de artista en acuarela que son parte del video por lo que exponerlas alado del video estaría increible. Envío el link del video y en otro link las 40 pruebas de artista en acuarela que se encuentran dentro del video como parte del videoarte.

María de Loreto Endara Espinosa (Loja, Ecuador, 1996) desarrolla una práctica transdisciplinar vinculada al derecho, la gestión del riesgo y la protección de los procesos que hacen posible la vida. Lujuria dentro de un trastorno psiquiátrico es un videoarte de treinta y cuatro segundos acompañado, según el formulario, por cuarenta pruebas de artista en acuarela que forman parte del propio proceso visual de la obra y que la autora plantea como posible material complementario para su exhibición.

Osvaldo Ponce (Buenos Aires, Argentina, 1963), Ova, es guionista, director y productor cinematográfico autodidacta y profesor de cine en la Universidad de Buenos Aires. Ha trabajado como camarógrafo y director de fotografía en largometrajes y piezas de videodanza. AMAR fue realizada íntegramente mediante técnicas artesanales en toma directa. El artista combina stop motion y light painting para animar objetos a través de iluminación en movimiento y señala expresamente que la obra no utiliza postproducción ni inteligencia artificial.

Osvaldo Ponce (Buenos Aires, Argentina, 1963), Ova, es guionista, director y productor cinematográfico autodidacta y profesor de cine en la Universidad de Buenos Aires. Volar hacia el origen emplea el mismo procedimiento artesanal desarrollado por el artista durante la pandemia: stop motion y light painting realizados en toma directa. Objetos e iluminación en movimiento construyen la animación sin postproducción ni inteligencia artificial. La documentación de participación registra la pieza como vídeo MP4 en HD con una duración de un minuto.

Tang Guozhi nació en Zhangjiajie, provincia de Hunan, y actualmente vive en Pekín. Su trabajo abarca instalaciones, imágenes y otros medios. Presta atención al descubrimiento y la reorganización de objetos cotidianos y a la relación entre las personas, las cosas y el mundo, buscando un equilibrio entre contenido y lenguaje. También explora dimensiones espirituales y múltiples, así como la voluntad de sobrevivir, la comprensión y el juicio social sobre los seres vivos y la naturaleza. Su práctica mantiene un carácter experimental y se guía por la intuición, la libertad y la búsqueda de nuevas posibilidades. Ha recibido, entre otros reconocimientos, el GAMMA Annual Youth Artist Award.

The pyrotechnic behavior of popular gestures is used as a video record, metaphors the
game relationship between freedom and rules, replacing the volatilization of language
and will, forming a sensory impact; however, pain and pleasure coexist, and the
margin of freedom and the margin of rules coexist, becoming hidden. Conflict of
power below; the momentary flame of the gesture is intended to release the spirit and
free will, and the ephemeral beauty symbolizes being frozen and passing away into
eternity

La documentación accesible confirma Smoke and Fire of Freedom como una obra de vídeo monocanal de Tang Guozhi, fechada en 2020. El expediente de participación registra una duración de 01:18, mientras que los archivos aportados presentan duraciones de 01:17 y 01:05, por lo que ese dato queda pendiente de unificación técnica. También consta la existencia de una copia limitada para coleccionista.

Laura Cabrera y Sira Cabrera (Cáceres, 1947) son artistas gemelas, licenciadas en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y codirectoras de videoarte desde 2009. Híbridos imagina una reconfiguración de cuerpos y relaciones entre seres humanos, robots, animales y plantas para cuestionar jerarquías antropocéntricas y explorar vínculos entre cultura y naturaleza. La propia técnica responde a esa idea de mezcla: dibujos, pequeñas esculturas, vestuario, objetos, actuación, filmación y montaje digital. Las autoras indican expresamente que la obra no utiliza inteligencia artificial.

Soy un artista digital radicado en Madrid, especializado en la manipulación de fotografía, vídeo, texturas y cualquier otro medio que me inspire a crear algo nuevo.

Mi obra reflexiona sobre nuestra relación con el mundo, la naturaleza, la soledad, la amistad, el paso del tiempo y, a veces, la vida cotidiana a través de retratos, paisajes urbanos y naturaleza, que constituyen los temas principales de mi trabajo. Además, experimento con otras técnicas para explorar nuevas herramientas y ampliar los límites de mi creación.

Mi proceso creativo comienza con la búsqueda de material para plasmar las ideas que deseo representar. Esta búsqueda puede surgir del impulso de hablar sobre algo, expresar una emoción o simplemente experimentar.

Mis obras han sido seleccionadas para exponerse en eventos y plataformas de renombre mundial, destacando especialmente en el ámbito del arte digital y los NFT. Entre ellos se incluyen: NFT.NYC (2020, 2023 en Times Square, 2024, 2025 y 2026), la feria de arte contemporáneo JustMad 2023, Amsterdam Dance Event 2023, la feria de arte NFT Deep AI en Londres (2021), DappBerlin 2019, LABITCONF Buenos Aires 2025 y Pancake and Booze Los Ángeles (2019 y 2020).

Esta imagen imposible es una metáfora visual directa de la ansiedad y los miedos subconscientes. Simboliza el problema o la amenaza que invade y confronta nuestros momentos de mayor calma. El título encierra una oscura ironía, un eufemismo que subraya la negación o la minimización de un peligro inherente.

Bit Errror, proyecto de Alberto Rodríguez Rodríguez (Valladolid, 1975), trabaja desde Madrid con fotografía, vídeo, texturas y manipulación digital. El título introduce una ironía que, según el artista, remite a la negación o minimización del peligro.

Graduada en Bellas Artes por la UCM, he participado en cinco exposiciones colectivas y dos en solitario, todas ellas en Madrid, con obra escultórica, textil, digital, gráfica y fotográfica. Mis motivaciones como artista van ligadas, desde hace tiempo, al dibujo, la ilustración, la temática social y el arte como forma de denuncia. Suelo buscar inspiración en el folklore, la mitología, la naturaleza, el cine y la literatura. Pienso que el arte es una gran herramienta para poner la mira sobre todo aquello que no funciona como debería y que causa dolor a las personas; que puede ayudar a concienciar y a dar un punto de vista diferente pues, la creatividad, desarrollada por todo artista nos da la capacidad de dilucidar entre varios caminos, a priori, ocultos a la vista de la mayoría. Mi estilo artístico es variado y ecléctico, me gusta experimentar y utilizar herramientas, técnicas y procedimientos diferentes entre sí para intentar crear obras novedosas y evocadoras que lleven al espectador a reflexionar y mirar de otra manera.

Mi obra es un videoarte-collage creado con imágenes digitales y animado con técnica stop-motion, en el que trato el tema de la enfermedad mental desde la propia experiencia. Mi película es como un paseo por la vida de una persona que va desarrollando un trastorno de salud mental. Para hablarle al espectador de este trastorno, he creado un lenguaje visual en el que la enfermedad mental está representada por una criatura hecha de huesos que va creciendo y mutando alrededor de la protagonista, y cuyos síntomas están representados como un ejercicio de poderes sobrenaturales o brujería. Sin embargo, no es sólo un paseo a través del tiempo respecto a unos personajes, sino también a través de la propia enfermedad, ya que cada escena trata sobre alguna de las muchas emociones y dificultades que puede tener una persona que padece tales problemas, como miedo, ansiedad, depresión, tristeza extrema, alegría, euforia, ira, paranoia, alienación, estigmatización o invisibilización. Con mi trabajo pretendo poner de manifiesto que las enfermedades mentales son un grave problema en nuestra sociedad, tanto a nivel personal como estructural, y deseo con ello, realizar un modesto aporte para conseguir la normalización y visibilización de las mismas.

Patricia Ruiz Gazapo (Madrid, 1987) es graduada en Bellas Artes por la UCM y desarrolla una práctica ecléctica entre escultura, textil, imagen digital, gráfica y fotografía, con especial atención a temáticas sociales. Ciclotimia combina collage digital y stop-motion para abordar la enfermedad mental desde la experiencia personal. Una criatura construida con huesos crece y muta alrededor de la protagonista, mientras distintos estados emocionales se traducen en un lenguaje próximo a lo sobrenatural. La artista plantea la obra como una contribución a la visibilización y normalización de los problemas de salud mental.

Nacido en La Paz, Bolivia (1998). Realicé mis estudios escolares en mi ciudad natal y posteriormente completé mis estudios universitarios en la University of New York in Prague (UNYP), República Checa. He trabajado como profesor de lenguaje y en distintos cargos administrativos en empresas privadas y organizaciones no gubernamentales. Mi practica artística es fundamentalmente ecléctica tendiendo a transitar la transdisciplinariedad a través del concepto. En el ámbito literario he publicado poemas en diversos medios literarios y expositivos como ser “nuevas miradas Barcelona” sección juvenil Placa y en un libro colectivo resultado de un concurso organizado por la Embajada del Perú en Bolivia. Paralelamente en las áreas visuales he expuesto mis fotografías en distintas ciudades y exposiciones como ser la exposición “Janelas” en Barreiro Portugal, de igual manera he sido director y guionista de distintos proyectos audiovisuales expuestos en festivales internacionales como ser el Stripart festival en Barcelona. Actualmente resido en Barcelona, donde curso un máster en dirección cinematográfica y puesta en escena y continuo formándome y experimentando multidisciplinariamente en las diversas ramificaciones artísticas.

proyecto que explora la estética audiovisual desde una mirada radicalmente abstracta y pictórica. Planteando el uso del desenfoque como técnica no convencional de grabación en la búsqueda de la belleza subjetiva. Creando a través del entrelazamiento del color, la textura y la luz, una cohesión armónica, conformando así una gran pintura en movimiento.

Estudió en la University of New York in Prague y actualmente reside en Barcelona, donde cursa un máster en dirección cinematográfica y puesta en escena. El desenfoque funciona como método de grabación y como herramienta para desplazar la percepción hacia color, textura y luz, cuyos entrelazamientos construyen lo que el artista define como una gran pintura en movimiento.

Fernando Clemente desarrolla sus proyectos centrado en el videoarte y el cine experimental. La obra se encuadra en un mundo conceptual asentado en la reflexión y crítica de la condición humana, desdramatizándola mediante la ironía. Sus obras han sido expuestas en Brasil, México, París, la Academia de Cine o la Casa de América en Madrid, el IAACC Pablo Serrano, el Museo Pablo Gargallo o Etopía en Zaragoza, el CDAN en Huesca. También en festivales como USVAN de New York, BANG de Barcelona, Periferias de Huesca, SCIFE de Fuentes, Mostra de Cine de Sagunt o Lamosa de Cuenca.
Estudios de Humanidades en la Universidad y Escultura en la Escuela de Arte, ambos en Zaragoza, además de Audiovisuales en París. Completando la formación audiovisual en Etopía con Lois Patiño, Alberto Alcoz o Carlos TMori, en el CTA con Carlos Navarro o Sergio de Uña, o en La Casa Ecendida con Blanca Regina.

El proyecto "Islas Inantrópicas" es un ejemplo de islas autónomas que existieron, como Libertalia (Madagascar) o la Isla de Kapros (Grecia). He buscado ese lugar que un día estuvo poblado por una sociedad libre, recorriendo los vestigios de esos mundos remotos que se reactualizan en el siglo XXI, descubrir esta Isla Inantrópica, escudriñarla, indagarla palmo a palmo y empaparme de Libertad, esperando que algún día todos seamos capaces de vivir en armonía y sin dominaciones.
También es necesaria la invisibilidad de estas islas para evitar ser objeto de atención mediática o estatal, y defender la libertad de la vida cotidiana y no la libertad como espectáculo.
En un mundo tan polarizado, en el que auténticos dictadores gobiernan países de primer nivel, aunque paradójicamente hayan sido votados por el pueblo, lo mejor es exiliarse en una de estas islas, sean físicas o mentales. Probablemente sea la mejor forma de lucha, cuando todas las demás han fallado.

Islas Inantrópicas toma como referencia relatos de espacios autónomos como Libertalia o Kapros para imaginar territorios apartados de estructuras de dominación. La obra recorre esos vestigios como ejercicio de búsqueda y plantea, desde el marco propuesto por el artista, la invisibilidad y el retiro físico o mental como herramientas para pensar la libertad frente a contextos que describe como polarizados.

Fabŭla reflexiona sobre la contribución de la política contemporánea al incremento de la división social. Cada imagen se construye con 6006 fotogramas de la sesión plenaria correspondiente. El resultado es un mosaico que funciona como metáfora de la fragmentación social.

Ricardo Ocaña (Sevilla, 1970) es artista visual e investigador independiente. Su práctica cruza fotografía contemporánea, tecnología generativa y pensamiento crítico. Fabŭla parte de la polarización social y de la teatralización del debate parlamentario tal como las formula el propio artista. 006 fotogramas de una sesión plenaria: a distancia se percibe la escena general y, al aproximarse, aparecen los fragmentos que la componen. El mosaico funciona así como recurso visual para abordar la fragmentación y la relación entre gesto, representación y contexto.

Tiago Ramos es un artista portugués residente en Seixal. Su práctica se ha desarrollado a través de la ilustración y los medios visuales, y actualmente se amplía hacia lo audiovisual y el arte algorítmico y generativo. Bajo el nombre 7, explora las relaciones entre imagen, movimiento, sonido y sistemas computacionales mediante herramientas de desarrollo propio y procesos basados en reglas para crear obras audiovisuales.

Dream forma parte de Crop Tiles — Edition One y condensa esa investigación en una pieza vertical de trece segundos, construida como obra audiovisual generativa algorítmica.

Desde mis primeros trabajos fotográficos ya me obsesioné con registrar las tradiciones, trabajos y creencias de nuestros abuelos, mientras permanecieran. Creo que emanan una sabiduría ancestral que nos vendría muy bien recordar para gestionar los retos de nuestro mundo presente y futuro. Mis propuestas artísticas actuales incluyen la experimentación con la fotografía, el videoarte y la performance.

La estela de un transbordador por el Mar Báltico, nos evoca todo el orgullo y el sufrimiento de estos países, por lograr mantener su autogobierno, pese a un vecino amenazante.

Alberto Durán Ruiz (Bilbao, 1965), DeRUIZ, inició su práctica fotográfica registrando tradiciones, trabajos y creencias de generaciones anteriores y actualmente experimenta también con videoarte y performance. ESTELAS-STREAMS parte de la estela de un transbordador sobre el mar Báltico. Según explica el artista, esa huella activa una reflexión sobre el orgullo y el sufrimiento asociados a los procesos de autogobierno de los países de la zona y a la presencia de un vecino que describe como amenazante. La obra se presenta como vídeo 4K de seis minutos y veintidós segundos.

Sol&Zap es un dúo de acción artística y fotografía callejera formado por la editora ciudadrealeña Sol Kabañas y el artista multidisciplinar leonés Felipe Zapico Alonso. Su trabajo cruza fotografía, poesía visual, dadaísmo y arte urbano mediante intervenciones efímeras en el espacio público. Para Arte Aparte XII presentan Rebelión en la granja, una acción en calle que se desarrollará el jueves 8 de octubre a lo largo del día mediante la pegada de tres fotografías en distintos puntos de Cáceres. La propuesta desplaza la imagen fotográfica fuera del soporte expositivo convencional y la integra en los recorridos cotidianos de la ciudad.

The Catholic es un DJ cacereño vinculado al colectivo Aguas Vivas Radio. Sus sesiones se mueven entre el minimalismo, las texturas sonoras experimentales, el baile y los ritmos hipnóticos. Para la inauguración de Arte Aparte XII presenta C.A.R.A., un diálogo sonoro construido a partir de cuatro conceptos —Crítica, Arte, Ruptura y Abstracción— entendidos como herramientas para leer y tensionar el presente. La propuesta sitúa la música como materia de expresión y reflexión, buscando alterar la percepción y cuestionar lo establecido desde el sonido.

"…Desde los 4 años descubrí que la danza era mi forma de expresar aquello que no sabía decir con palabras…"

Elizabeth Aday, artista cubana, graduada como Profesora-Bailarina Profesional por la Escuela Nacional de Danza de Cuba (ENA), cuenta con una sólida formación en ballet, danza contemporánea, folklore cubano y bailes latinos.
A lo largo de su trayectoria ha desarrollado su carrera como intérprete del arte contemporáneo, creadora y formadora, participando además en diferentes compañías, proyectos coreográficos y festivales de danza tanto de carácter nacional e internacional.

Actualmente continúa desarrollando su carrera artística desde Santander, Cantabria.

Sinopsis

Todos conocemos la imagen: un rostro deformado por la angustia, unas manos que sostienen la cabeza, un grito suspendido en el tiempo. Pero ¿qué ocurre cuando esa imagen deja de estar inmóvil?
El Grito parte de la obra de Edvard Munch para explorar aquello que sucede antes y después de ese instante. Una figura que durante más de un siglo ha permanecido atrapada comienza a recuperar el movimiento, a respirar, a sentir. Pero volver a moverse también significa enfrentarse a aquello que la mantiene atrapada.
La pieza transita entre la quietud y el desbordamiento, entre la angustia que paraliza y la necesidad de volver a habitar el mundo.
Porque quizás el verdadero grito no sea el que vemos, sino el de alguien que intenta salir de él.

Tómate tu tiempo nace de la observación de un no-lugar: una pequeña isleta entre dos pasos de peatones, un espacio concebido para detenerse solo unos segundos. Dos sillas interrumpen el flujo sin bloquearlo. La acción cuestiona la diferencia entre el tiempo disponible y el tiempo verdaderamente elegido, conquistado y creado.

Anastasia Boni (La Spezia, 2002) trabaja con performance, videoarte e instalación participativa para cuestionar la identidad, el tiempo y las convenciones de la vida cotidiana. Siéntate, tómate tu tiempo se desarrollará como acción en calle el viernes 9 por la tarde y el sábado 10 por la mañana. La pieza convierte la pausa, la escucha y la relación con desconocidos en un gesto consciente frente al ritmo acelerado de la vida cotidiana.

Es creador musical de la performance Los Bañistas y la ha representado, junto a la escritora Helena Mariño, en Cruce (Madrid), Marpoética (Marbella) y Poetas (Madrid) Ha colaborado, como creador de espacios sonoros, con el colectivo Una Fiesta Salvaje: grupo de estudio, escritura e investigación centrado en explorar terrenos híbridos de creación, residente de larga duración en Matadero y La Casa Encendida. Ha sido colaborador en diferentes acciones y propuestas performativas llevadas a cabo por el colectivo en ambos centros. Dentro del marco de La noche de los libros de Madrid, ha actuado en las ediciones 2021, en La Casa Encendida y 2022, en la plaza Conde de Barajas, representando varias performances de música electrónica y poesía. Ha sido compositor y creador del espacio sonoro de la obra teatral Cómo hemos llegado hasta aquí, producida y representada en Teatro del Barrio. Dirigida por Andrea Jiménez y protagonizada por Nerea Pérez de las Heras y Olga Iglesias. Ha sido creador, productor musical y performer de la obra Esta línea es un espacio recíproco de intercambio, creada por Helena Mariño y estrenada en 2023 el Palacio Velázquez de Madrid, dentro del marco del festival Apuntes para un tiempo aparte, organizado por el Museo Reina Sofía. Ha sido creador musical de las “citas sonoras” exhibidas en diferentes localizaciones de Madrid durante las jornadas del Book Friday celebradas en 2023, 2024 y 2025, organizadas por la Asociación de la Cuesta de Moyano. Escucha de Citas Sonoras Book Friday Ha creado “citas sonoras” para los ciclos literarios A la hora del té con Alicia, organizados por CaixaForum de Barcelona, Madrid y Zaragoza. En octubre de 2025 estrena Espacio Premeditadamente Vacío, un proyecto dual y su primero en solitario como compositor. Está integrado por un Live AV y un LP. Este proyecto ha sido apoyado por las Ayudas a la creación contemporánea 2024/2025 del Ayuntamiento de Madrid.

EPV es una propuesta sonora en formato Live/AV, muy cercana a las artes vivas, en la que música, imagen de gran formato, poesía, texto conforman un dispositivo artístico expandido. Su deseo es el de invitar a reflexionar de forma crítica acerca de las violencias sistémicas y estructuras de poder que nos someten y atraviesan como sociedad y como individuos. Y, sobre todo, abrir un espacio de pensamiento para imaginar formas más conscientes y humanas de relacionarnos con nuestro presente y nuestro futuro, dentro del contexto turbocapitalista actual. La arquitectura sonora de este Live/AV transiciona desde sonidos crudos y beats rotundos propios del techno industrial, hasta armonías luminosas generadas con sintetizadores, arpegiadores y voces corales, pasando por texturas ambientales creadas con pianos preparados y voces sampleadas. La textualidad y la poesía actúan como elementos vehiculares de esta propuesta y la proyección de imágenes, tanto generativas como de archivo, completa y contextualiza la narrativa. Es un proyecto dual y el primero en solitario de Enri La Forêt como compositor. Lo conforma un Live/AV y un LP disponible en formato digital y en vinilo. Este proyecto ha sido apoyado por las Ayudas a la creación contemporánea 2024/2025 del Ayuntamiento de Madrid.

Enri La Forêt (Enrique Fuentes Barrios, Madrid, 1984) desarrolla una práctica entre composición, electrónica, performance, poesía y creación de espacios sonoros. Espacio Premeditadamente Vacío es su primer proyecto en solitario como compositor y adopta la forma de un Live/AV expandido. Sonido, imagen, texto y poesía construyen una reflexión crítica sobre violencias sistémicas y estructuras de poder, desplazándose desde el techno industrial y los beats rotundos hasta armonías luminosas, pianos preparados, voces sampleadas y visuales generativos o de archivo.

Soy actor y creador escénico graduado en Arte Dramático. Mi práctica artística se sitúa en el encuentro entre teatro, performance y otras disciplinas, con especial interés en la presencia, la relación directa con el espectador y la escena entendida como acontecimiento. Trabajo habitualmente con la memoria y el archivo, utilizando fotografías, objetos y dispositivos analógicos como el retroproyector o el vinilo, que combino con elementos narrativos y sensoriales. En mis procesos de creación me interesa explorar la frontera entre realidad y ficción y generar espacios de encuentro donde el público no sea únicamente espectador, sino parte de la experiencia escénica.

Su trabajo cruza teatro, performance, memoria y archivo, utilizando fotografías, objetos y dispositivos analógicos para generar una relación directa con el público. La noche del fin de los tiempos explora los restos de un mundo que ya no existe. Recuerdos, imágenes, sonidos y objetos construyen un espacio de encuentro en el que pasado y presente se confunden y la frontera entre realidad y ficción comienza a desdibujarse. Segundo fin de semana

Mi biografía artística está atravesada por el teatro y la poesía desde que tengo uso de razón. Comencé a escribir poesía a los seis años, como una necesidad íntima y persistente de nombrar el mundo. Me formé en Arte Dramático en la Escuela Superior de Arte Dramático de Extremadura, y actualmente complemento mis estudios en la Escola Superior Artística do Porto, profundizando en una práctica escénica que integra cuerpo, voz, pensamiento y sensibilidad contemporánea. A lo largo de estos años he desarrollado una intensa actividad como creador escénico, actor y dramaturgo, participando en una innumerable cantidad de montajes y proyectos teatrales. He presentado distintos trabajos en el marco del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, dentro de su programación off,en un recorrido que comienza desde una práctica escénica temprana y se consolida posteriormente en un contexto profesional.Ente ellos se encuentran Una comedia de las de antes (2018), El caballo de Troya (2019), Las estrellas de Perseo (2020), Pentesilea (2021) y Spartois (2022). En 2024 formé parte de La Pasión de Cáceres interpretando el papel de Herodes. En 2025 participé en Dentro de la tierra de Paco Bezerra, dirigida por Sara Rodríguez en Cáceres. Ese mismo año presenté Patroclo (2025), pieza escrita, dirigida e interpretada por mí, dentro de la programación off del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida. Este trabajo sintetiza muchas de las líneas que atraviesan mi investigación artística,el cuerpo como archivo, el mito como espacio de resonancia contemporánea y la escena como lugar de verdad. Considero que Beijos para o Céu constituye mi primera propuesta internacional plenamente articulada en términos conceptuales y estéticos. En ella confluyen mi trayectoria teatral, mi trabajo poético desde la infancia y una búsqueda consciente por ofrecer al público una experiencia escénica y emocional que no se limite a la representación, sino que proponga una forma de encuentro transformador

Mario Sánchez Silva / Mario de Silva (Mérida, 2005) desarrolla una práctica atravesada por teatro y poesía. Beijos para o Céu se plantea como un recital poético híbrido en el que confluyen su recorrido teatral, la escritura y una búsqueda de encuentro emocional con el público. La propuesta prioriza la cercanía y un dispositivo escénico adaptable a espacios culturales o alternativos.

Versarte Jam es un proyecto de creación abierta desarrollado en Cáceres como punto de encuentro entre artistas, público y disciplinas diversas. Su formato de micro abierto reúne poesía, música, palabra, improvisación y propuestas escénicas sin un guion cerrado, favoreciendo la espontaneidad, el intercambio y la colaboración. En Arte Aparte XII se incorpora como una sesión participativa dentro de la programación de Acción, manteniendo su carácter de espacio permeable en el que cada intervención puede transformar el desarrollo de la velada.

Fiebre de Neón cruza la producción sonora y audiovisual de Gonzalo Sanz García con la palabra de Felipe Zapico, poeta leonés de larga trayectoria. El dúo trabaja con sampler, sintetizadores y voz procesados en directo, construyendo cada pase sobre tres máquinas Roland y sin ordenador. La electrónica oscura, cercana al club, se mezcla con texto recitado y spoken word. El repertorio permanece estable, pero su forma final se rehace en escena, de modo que cada actuación mantiene un componente de construcción e irrepetibilidad. VIDEOARTE Sábado 17 de octubre · 21:00 Sesión dedicada a la selección de Videoarte de Arte Aparte XII. Las fichas de las obras y artistas se recogen en el documento específico de Videoarte.

Sarah Hajer Saada es cantante, actriz, productora teatral, escritora y compositora tunecina residente en Portugal. Su trabajo combina repertorio clásico en francés, árabe y español con composiciones propias centradas en la paz, el amor y el diálogo intercultural, además de referencias a la música tradicional tunecina. Su trayectoria abarca teatro, cine, televisión y actuaciones en Portugal, Túnez y otros contextos internacionales. Para Arte Aparte propone un formato musical adaptable que articula voz, repertorio multilingüe y acompañamiento instrumental. Tercer fin de semana

Bio SANTI SENSO Actor, cantante, director, dramaturgo, guionista, artista visual y plástico, profesor en la Escuela Central de Cine de Madrid y director del Ciclo Internacional de Cine Íntimo. Acciona en disciplinas como la escultura, pintura, instalaciones en museos y galerías de arte. Creador de fiestas populares ancestrales “La Tinajá y el Barru” “La Noche de los Perdonaos” “La Chaguarza” y “La Horneá con el Barbas Hariná”. Senso lleva su lenguaje a la escena de La Gran Vía de Madrid con su acto “La Soledad No Existe”. Como actor durante su trayectoria profesional ha trabajado en teatro, musicales, series de TV y películas nacionales e internacionales. Acompaña desde una antropología emocional en la relación que tiene todo un elenco de una película, serie o teatro. Participa con su propio lenguaje en el "Congreso Internacional de Musicales en Uruguay" para después continuar el trabajo en New York y seguir con el programa de estudios "Livin Broadway". Organiza conversatorios en el mítico Café Gijón de Madrid “Sin verdad absoluta. Con Amor en Absoluto”. Fundador de la primera casa teatro en Venezuela “Casa Teatro Andante”. Director de interpretación para la compañía de danza franco-española "Elephant in the Black Box” estrenando la obra “Atraspasar” en los Teatros del Canal en Madrid. Ha sido convocado para dirigir con su lenguaje en Colombia la obra “Yo, Nunca. Miento” Cía. “Knockout”. Director del Festival Internacional de Teatro Íntimo en Casas Particulares. Son ya más de 25 años los que lleva habitando espacios no convencionales, salas y teatros con sus llamados Actos Íntimos. En el cine ha rodado largometrajes con su propio lenguaje “Otros Cuerpos” sobre el ghosting, “Sesión” trabajando con los actores y actrices sus disfunciones sexuales, y “Hágase mi voluntad” mostrando a un Jesucristo que no desea morir sino Vivir. Y otras dos piezas audiovisuales testimoniales “Azul Ortopédico” “Solo, antes que yo muera”. Y el documental “Metralla de Amor” con abuelos y abuelas centenarias contando sus historias de amor. Entre otros trabajos filmados en los distintos encuentros con actores y actrices donde los Actos Íntimos han formado parte de la programación de Festivales Internacionales de Cine o en escuelas. También ha habitado con su lenguaje único Festivales de Teatro Clásicos y Contemporáneos, encuentros y congresos Culturales, Certámenes, Laboratorios de investigación en Europa, EEUU y Latinoamérica. Sus más recientes montajes son “Liberad a los Pájaros, un elogio a la locura” “Adicto a Mí" ,“La Tetraplejia de Cor” y “El Holocausto del Amor”. Gran parte de sus vivencias habitan en su primer libro ACTOS INTIMOS editado por Punto de Vista Editores donde recoge su genuino lenguaje para interpretar en escena y ante la cámara. Recientemente ha publicado su segundo libro “Parir, volver al vientre” con Ediciones Invasoras.

"TRANSlugar" es un "Acto Íntimo en Cine" donde el artista, Santi Senso, TRANSita por las calles de Bogotá con el impulso de conocerSE en el día a día de un "habitante de calle" para dejar sorprenderSE e impactarSE para descolocarNOS con su propuesta como nos tiene acostumbrados es sus acciones. Me trasladé para TRANSportarME a lo incómodo y PODER traspasar mi curiosidad. Sentía que sería TRANSformador. Pude verME en lo TRANSfugo, en el peligro de la TRANSfusión de TRANSplantes de CORAZONES durante el TRANSbordo de lo que aparentemente era abismal, unas antípodas que no estaban tan lejanas, ante lo TRANScontinental, TRANScultural, TRANSfronterizo, llegué a pensar que yo era un TRANSformer. Fue TRANSformador. Era TRANSlucido, TRANSparente, TRANSligüistico el conversarNOS al mismo nivel, en el suelo, en esa esquina, en su LUGAR, para encontrarNOS que no desencontrarNOS, ante las miradas de los TRANSeúntes, y sin pactarlo estábamos creando una TRANSvanguardia. Fue TRANSponedor al sentir los ríos de orín en mi piel desnuda ante el impACTO DE GENEROSIDAD, del regalo que nos estábamos haciendo. Había otras miradas, la de los TRANSeúntes, yo no podía leerlas pero él sí. Me iba describiendo como cada día golpeaban su hogar, sus pensamientos TRANSclasistas, le trataban como a un perro callejero, TRANSespecie. Yo me hacía muchas preguntas, TRANSmutaba, me habitaba un DOLOR, AMOR por las personas que TRANSitan por un acto TRANSgénero, de TRANSexualidad, el ataque de la TRANSmisoginia, pues en qué, en quién me estaban convirtiendo esas miradas TRANSfobicas, para sufrir la TRANSracialidad. No me siento extranjero en esas VIDAS en la calle, elegidas o no, y quién soy yo para juzgarlas. ¿Acaso soy un turista? ese que ataca, esto en mi país no existe o por lo menos no se ven tantos cuerpos tirados por las calles. Soy un viajero que pertenece aunque no permanezca en esa esquina. Soy TRANSnacional. Hago TRANSbordos a diario. TRANSlúcidas son mis decisiones, TRANSmigrando y TRANSfundiéndoME en ese LUGAR donde me reciben, sin juzgarME, sin rechazarNOS. No permitamos que el TRANShumanismo nos desprograme. Somos seres sintientes. Provenimos de un TRANSabrazo y esto lo podemos repetir en cualquier TRANSLUGAR. Él me invitó a su hogar. Yo le regalé mi ropa. Él su historia. Él, Carlos Brayan me dijo: Santi, no llores, no estés triste que yo estoy bien. Bogotá, Colombia. 2024. ACTO ÍNTIMO de Santi Senso junto a Carlos Brayan Rap: Yosua Iram Fotografías: Noxo Estremor Realización Audiovisual: Sophia Angulo Acompañamiento: Maikol Sánchez

Santi Senso (Cáceres, 1979) trabaja desde los Actos Íntimos, un lenguaje propio que atraviesa interpretación, dirección, dramaturgia, audiovisual y artes visuales. TRANSLUGAR nace de un encuentro filmado en Bogotá con Carlos Brayan, habitante de calle, y se articula como una experiencia audiovisual acompañada de acción y conversación con el público. La pieza aborda desplazamiento, mirada, pertenencia, vulnerabilidad y encuentro, evitando situar al otro como objeto para proponer una relación basada en la escucha y el reconocimiento mutuo.

VIJZĚN ARTIST,L Destaca la influencia de la cultura pop y una imaginación metafórica que nos sumerge en la realidad de lo posible, apropiándose de obras e iconos universales y trasladando al lienzo ese uso transformador de los originales. En sus pinturas existe un juego de reinventar, otorgar el valor de lo iconográfico a otra lectura impredecible, con la que el autor se desahoga con un afilado sentido de la ironía, de lo propio y de la estética y que el espectador consume inmediatamente sin intermediarios. WHITE CARAMELO (MUSIC MAN) profesor de día DJ selector de noche con gran habilidad para amenizar pinturas en vivo y todo tipo de eventos con sesiones de DJ selector. 

Durante la velada, Vijzen Artist desarrollará una obra de pintura en vivo mientras White Caramelo (Music Man) pondrá la banda sonora de la noche con una sesión «selector» especialmente diseñada para recorrer algunos de los sonidos más representativos del indie-rock nacional e internacional, combinando clásicos imprescindibles con propuestas actuales. El resultado será una atmósfera creativa donde la música y las artes plásticas dialogan en tiempo real, invitando al público a disfrutar del proceso artístico desde una perspectiva diferente.

El encuentro plantea un diálogo en tiempo real entre música y artes plásticas, invitando al público a asistir al proceso de creación desde una perspectiva compartida. La práctica de VIJZĚN ARTIST parte de la cultura pop y de una imaginación metafórica que se apropia de obras e iconos universales para transformarlos mediante una lectura propia, atravesada por la ironía y la reinterpretación. WHITE CARAMELO (MUSIC MAN), profesor de día y DJ selector de noche, aporta una selección musical concebida para acompañar y activar performances, pintura en vivo y otros formatos escénicos.

Los Placeres de María propone un encuentro participativo en torno al placer, el cuidado y el uso responsable de productos de juguetería y cosmética erótica. Bajo la pregunta «¿Sabes jugar?», la acción aborda estos contenidos sin tabúes y con sentido del humor, explicando que existen productos para distintos gustos, cuerpos, edades y necesidades, pero que no todos sirven para lo mismo ni se utilizan de la misma manera. La propuesta se plantea desde una perspectiva inclusiva, feminista y respetuosa, entendiendo el placer como una experiencia diversa en la que intervienen la identidad, la expresión de género, la orientación sexual, la capacidad y las distintas formas de vivirlo.

La propuesta de Makiu parte de la música urbana y el trap emocional para construir una experiencia artística centrada en la intimidad, la vulnerabilidad y la búsqueda de identidad. A través de la voz, las bases electrónicas, la interpretación y una estética underground, la artista convierte experiencias personales y emociones generacionales en un lenguaje escénico propio.

Su propuesta se sitúa en un espacio híbrido entre música, performance y cultura visual, alejándose del formato de concierto convencional para plantear una experiencia cercana, atmosférica y cargada de personalidad. La interpretación vocal y la presencia escénica funcionan como elementos centrales de una narrativa que aborda la inseguridad, la ambición, el crecimiento personal y la necesidad de encontrar una identidad propia.

Makiu forma parte de una nueva generación de creadoras vinculadas a la escena contemporánea extremeña. Su trabajo conecta los lenguajes urbanos actuales con una sensibilidad experimental y una mirada personal, reivindicando la emoción y la autenticidad como herramientas de creación.

Makiu (Paloma Maqueda Escribano, Badajoz, 2001) desarrolla una propuesta musical nacida de la intimidad del trap y una estética underground. Vinculada a la New Wave Extremeña, combina voz, bases electrónicas, interpretación escénica y cultura visual para construir una experiencia centrada en vulnerabilidad, identidad y emociones generacionales. Su directo se sitúa entre música y performance y evita el formato convencional de concierto: la presencia escénica, la atmósfera y el relato personal funcionan como ejes de una propuesta cercana, intensa y experimental.

Adjunto aquí el link de mi portfolio y currículum:
https://sites.google.com/view/luciareyesruiz/inicio

Aunque los datos de inscripción de la obra figuren a nombre de Lucía Reyes, queremos aclarar que se trata de una producción de El Vuelo Inquieto.

Dado que en el formulario de inscripción no existe la opción de indicar el nombre del grupo o compañía, nos gustaría solicitar que, en caso de ser seleccionados, tanto en la revista como en los materiales de promoción de la performance aparezca El Vuelo Inquieto como nombre del grupo o compañía, y no el nombre personal de Lucía Reyes.

Agradeceríamos que se tuviera en cuenta esta consideración para la correcta identificación y promoción de la propuesta.

Muchas gracias por vuestra atención.

El Vuelo Inquieto presenta A la tercera va la vencida, una pieza breve construida desde el humor negro, el absurdo y el trabajo actoral. En una habitación vacía, Gustav custodia a un rehén mientras espera instrucciones que no sabe ejecutar con la eficacia que su situación exige. La obra utiliza la torpeza, la repetición y el fracaso para tensar la relación entre violencia y comedia, al tiempo que aborda presión, moralidad y aprendizaje. Su dispositivo escénico es deliberadamente sencillo y adaptable a espacios no convencionales. Cuarto fin de semana

lobo ybañez es creador escénico, director y dramaturgo formado en Dirección de Escena y Dramaturgia en la ESAD de Extremadura. Actualmente cursa el Máster en Pensamiento y Creación Escénica Contemporánea en la ESAD de Castilla y León, Su práctica se desarrolla en torno a la creación contemporánea y la investigación de las relaciones y tensiones entre lenguajes, cuerpo, imagen, ficción, actor, director y espectador.

COWBOY ANATOMiA zZz explora las manifestaciones del cansancio del sujeto de rendimiento contemporáneo: la autoexplotación, la exigencia constante de productividad y la dificultad de detenerse. A través de cuerpo, acción escénica y elementos audiovisuales, la pieza se sitúa en la contradicción entre el deseo de descansar y la sensación de que parar no es una opción.

Tecnosofía de Barra es un proyecto de encuentros que propone triálogos abiertos y accesibles entre personas procedentes de ámbitos diferentes. En cada sesión, dos invitados comparten conocimientos y experiencias guiados por una persona moderadora, que plantea preguntas, conecta ideas y abre la conversación a la participación del público. El proyecto nace con el objetivo de democratizar el conocimiento y favorecer cruces entre disciplinas como la tecnología, la ciencia, el arte o la artesanía, trasladando el intercambio a un contexto cercano y distendido. En Arte Aparte XII se incorpora a la programación de Acción como un espacio de conversación interdisciplinar.

BALARRASA es Chema Castaño, compositor y productor extremeño, residente en Madrid. Con un master oficial en Composición Electroacústica como única formación
musical, Chema experimenta con el sonido y el ruido de forma autodidacta. Siguiendo la máxima del ́Do It Yourself ́ Balarrasa produce canciones de difícil catalogación
con diversas influencias; pop-noise, lo-fi, shoegaze, Krautrock, grunge, la electrónica ambiental o el PostPunk conforman su estilo: "Punk natural".

Balarrasa debuta en 2020 con los EPs "Anticiclón" y "La Justicia". Canciones con
letras poéticas y con densas atmósferas envolventes. Tras un parón de varios
años, en 2023 BALARRASA vuelve a publicar varios sencillos cooproducidos junto
a Lucas Bolaño (Estrella fugaz). Un año después presenta "El Futuro Era Esto" EP cooproducido junto a Paco Loco. En los próximos años ha publicado diversos sencillos que demuestran la nueva era creativa que transita el productor extremeño.

Grimor se presenta ante la ciudadanía en una campaña donde muestra sus nuevas propuestas. El honesto candidato a tu nuevo artista favorito, da a conocer, a través de sonidos eclécticos, ruidos, performance y beats,
"Pixel", su personal proyecto de futuro. Un show distintivo para reivindicar la importancia de lo absurdo y de la rebeldía en la memocracia que construimos juntas.

Su práctica autodidacta combina pop-noise, lo-fi, shoegaze, krautrock, grunge, electrónica ambiental y post-punk bajo una lógica DIY. PÍXEL adopta la forma de una performance musical y audiovisual en la que sonido, ruido, beats, proyecciones y acción escénica construyen una campaña ficticia protagonizada por Grimor. El proyecto reivindica lo absurdo y la rebeldía desde una puesta en escena híbrida y deliberadamente inclasificable.

Scroll infinito toma la forma de un teléfono móvil construido en madera. En lugar de una pantalla convencional, una ventana permite observar en su interior un rodillo que gira de manera constante, haciendo visible el mecanismo de repetición que la pieza asocia al scroll infinito de redes sociales y plataformas digitales. El movimiento continuo remite a un flujo de imágenes, noticias, vídeos y estímulos que nunca alcanza un final. El contraste entre la madera —material físico, artesanal y tangible— y la lógica intangible del entorno digital convierte el dispositivo en una metáfora de la dependencia, la repetición y la pérdida de la noción del tiempo. La obra plantea así una pregunta directa: si somos nosotros quienes hacemos scroll o si es el propio scroll el que termina manteniéndonos atrapados.